Nowoczesna fotografia martwa natura. Ogólne prawa kompozycji w fotografii martwej natury

Martwa natura jako gatunek sztuki pojawiła się w odległym XV wieku i miała wówczas bardzo wyraźne konotacje religijne. Wiele wizerunków świętych zostało oprawionych w kompozycje kwiatowe. Już w XVII wieku martwa natura ukształtowała się ostatecznie jako gatunek, wówczas powstały podstawowe zasady kompozycji i techniki klasyczne.

Martwa natura nie straciła na popularności od czasu pojawienia się fotografii, mimo że większość współczesnych fotografów przyciąga możliwość robienia zdjęć w akcji. Mistrzowie starają się nakręcić coś chwilowego i nieoczekiwanego, statyczne obrazy są dla wielu mniej atrakcyjne i interesujące.

Ktoś może błędnie pomyśleć, że fotografowanie martwej natury nie jest trudnym rodzajem fotografowania, bo może się wydawać, że sfotografowanie czegoś, co się nie rusza i nie zmienia w czasie, nie jest takie trudne. W rzeczywistości fotografie martwej natury powstają w wyniku długiej, monotonnej pracy. Fotograf martwej natury musi przez cały czas pracować ze światłem i przedmiotami. Okresowo zamienia obiekty, tło i kąt.

Jako świetne przykłady zdjęć martwej natury pokażemy Ci zdjęcia Paulette Tavormina - słynny fotograf z Nowego Jorku. Mieszkając w dużym mieście, Paulette znalazła własny sposób na ucieczkę od zgiełku i nudy. Znika na godziny we własnym studio, kręcąc martwe natury, składające się z warzyw, owoców i kwiatów. Fotografie Paulette Tavorminy przypominają klasyczne obrazy klasycznego malarstwa. Są bardzo artystyczne i hipnotyzujące.

Paulette Tavormina tworzy również niesamowite kompozycje z kwiatów, roślin i małych owadów w samolocie. Obrazy wyglądają bardziej jak ilustracje z książek botanicznych lub niesamowite wzory roślinne.

Zdjęcia Paulette Tavormina znajdują się w muzeach, kolekcjach korporacyjnych i prywatnych, były prezentowane w Paryżu, Londynie, Moskwie, Nowym Jorku, Los Angeles, Miami i Chicago. Paulette jest fotografką-samoukiem, własną unikalną technikę fotografowania martwej natury rozwinęła, ucząc się na zdjęciach holenderskich mistrzów.

Wzory roślinne

Martwą naturę można słusznie nazwać jednym z najtrudniejszych gatunków wszelkiego rodzaju sztuk pięknych. A także w fotografii. Na przykład przyroda jest piękna sama w sobie. Aby stworzyć dobry krajobraz, wystarczy, że artysta znajdzie atrakcyjne miejsce, czyli piękną przyrodę, i na płótnie odda stan natury. Tak, jest to oczywiście trudne. Bardzo trudne. Nie każdy jest w stanie oddać nastrój na zdjęciu. Trudniej jest to zrobić w martwej natury. Rzeczywiście, w martwej naturze, w odróżnieniu od, powiedzmy, pejzażu czy portretu, artysta sam ten naturę organizuje, sam buduje kompozycję, dobiera obiekty do obrazu ... To wszystko dotyczy fotografów. Podczas pracy nad martwą naturą twórcza wyobraźnia autora, znajomość praw kompozycji, wyczucie faktury i światła odgrywa bardzo ważną rolę ... Rzeczywiście, w przeciwieństwie do krajobrazu stworzonego już przez naturę i człowieka przed artystą, artysta tworzy martwą naturę od podstaw, porządkuje ją na czystej kartce. Gdzie wcześniej nic nie było. Prawdopodobnie dlatego nie każdy artysta jest w stanie stworzyć dobrą martwą naturę. Spójrz tylko na malarzy. Czy jest wśród nich wielu prawdziwych mistrzów martwej natury? Jest znacznie więcej malarzy portretów i pejzaży…. To samo można powiedzieć o sztuce fotografii.

W tym artykule postaramy się powiedzieć, jak stworzyć dobrą fotograficzną martwą naturę. Oczywiście udzielimy kilku rad w tej sprawie. Mamy nadzieję, że pomogą Ci w twórczej pracy. Stań się bodźcem do twórczego rozwoju.

Jak zaczyna się martwa natura?

Martwa natura zaczyna się od pojęcia, czyli innymi słowy, od pomysłu. Rozejrzyj się - co z tego, co znajduje się w Twoim domu, jest interesujące jako obiekt do komponowania martwej natury? Jakie obiekty „proszą” o ujęcie? Stare i „teksturowane” przedmioty wyglądają bardzo dobrze w martwej naturze - różne wazony, zegary, stare książki, porcelanowe figurki, lampy stołowe, zestawy, świeczniki i świece, niektóre rzeczy z grubej i grubej tkaniny - serwetki, obrusy ... martwa natura owoce i warzywa. Kwiaty są również jednym z ulubionych przedmiotów malarzy martwej natury. Ponadto kwiaty są nie tylko żywe, ale także suszone. Nie ma ograniczeń co do wyobraźni. Różne przedmioty nadają się do martwej natury. Najważniejsze, aby wszystkie te przedmioty były ze sobą w harmonii pod względem kształtu, koloru, faktury, znaczenia ... Cóż, na przykład, jaki pomysł połączyć w jedną martwą naturę, powiedzmy, szczypce i wazon z jabłkami?

Zacznijmy przynajmniej od najprostszej kompozycji: martwej natury, której głównym „bohaterem” będzie miska owoców. Ktoś powie, że taka martwa natura jest najczęstsza, rozpowszechniona i daleka od nowej. Więc co! Zgadzam się, co może być piękniejszego i ciekawszego niż piękne owoce w pięknym wazonie? To będzie idea naszej martwej natury. Teraz zdecydujmy, który z posiadanych przez nas przedmiotów można umieścić obok takiego piękna, które tekstury i kolory będą w harmonii z kolorami i fakturą owocu oraz samego wazonu. Biorąc to wszystko pod uwagę, pamiętajmy o treści semantycznej martwej natury. W końcu martwa natura, jak każdy inny obraz, musi opowiadać historię. Cóż, wyobraź sobie na przykład: wazon z jabłkami, gruszkami i wiśniami, a obok kilka polnych kwiatów i kubek mleka. Wszystko to stoi na prostym drewnianym stole w stylu rustykalnym. Oto historia o wczesnym poranku w wiosce!

Wybór miejsca do sfotografowania martwej natury

Wszystko może służyć jako stół tematyczny dla martwej natury. Tę rolę może odgrywać każdy stół w domu. I to nie tylko stół. Przedmioty do fotografii martwej natury można umieścić na parapecie, na stoliku nocnym, a nawet na półce w szafie. Głównym kryterium jest tutaj wytrzymałość tej tabeli obiektów i jej wystarczająca powierzchnia. By było miejsce, w którym wasza wyobraźnia twórcza byłaby spokojna, aby było tam przestronnie i łatwo było mieszkać. Nawet na podłodze można układać kompozycje obiektów do fotografowania martwej natury. Cóż, jeśli powierzchnia, na której instalujesz swoje przedmioty, jest brzydka lub w ogóle nie pasuje do wszystkich możliwych kryteriów martwej natury, nad którą pracujesz, możesz ją przykryć piękną tkaniną: obrusem lub serwetką. Możesz na przykład położyć na nim kawałek papieru lub ładną sklejkę.

Nie zapomnij o tle swojej martwej natury. Tło w tym gatunku sztuk pięknych odgrywa bardzo ważną rolę. W końcu to on nadaje całemu nastrojowi obrazu (i oczywiście fotografii)! Cóż, na przykład, jeśli tło twojej martwej natury jest czarne, bordowe, ciemnobrązowe lub składa się z kombinacji tych kolorów, wówczas obraz, który otrzymasz, jest dramatyczny, w pewnym sensie nawet nieco ponury. Jasne tło - białe, różowe, jasnozielone, niebieskie - doda martwej natury delikatności, zmysłowości, romantyzmu. Martwe natury „kobiece” dobrze jest fotografować na jasnym tle, a „męskie” na ciemnym tle. To znaczy takie, na których przedmioty martwej natury wydają się należeć do kobiety lub mężczyzny lub są dla nich przeznaczone.

Materiałem na tło martwej natury może być sklejka lub karton pomalowany na żądany kolor, dowolny inny materiał, najlepiej nie odblaskowy, ale matowy. Odblaskowe tła są bardzo trudne nawet dla dobrych mistrzów fotografii. Jeśli użyjesz tkaniny jako tła, możesz ją pięknie udrapować, czyli ułożyć w efektowne fałdy. Niektórym udaje się fotografować martwe natury bez używania tła jako obiektu. Możesz to zrobić, jeśli nie korzystasz z naturalnego światła, ale fotografujesz tylko przy sztucznym oświetleniu w ciemnym pomieszczeniu. W takim przypadku urządzenia oświetleniowe muszą być skierowane wyłącznie na fotografowane obiekty. W tym samym czasie wszystko inne, co pozostaje poza ramami tego światła, przechodzi w całkowitą ciemność i zamienia się w głębokie, piękne matowe czarne tło.

Budujemy kompozycję martwej natury

Stworzenie kompozycji to chyba najtrudniejszy etap pracy nad martwą naturą. Niektórym ten etap może wydawać się nieistotny, nieskomplikowany. Wydaje się, że na pierwszy rzut oka wszystko jest proste: pięknie połóż na stole piękne przedmioty - i zacznij je fotografować. Ale tak nie jest. A dokładniej, absolutnie nie! Bardzo szybko zrozumiesz, że niektóre przedmioty nie są ze sobą w harmonii, na przykład kolorem, rozmiarem, znaczeniem… Kompozycja okazuje się nieproporcjonalna, „spada” na jedną lub drugą stronę. Krótko mówiąc, świadomość, że ten etap pracy nad martwą naturą jest najtrudniejszy i najważniejszy, przyjdzie do Ciebie późno lub wcześnie. I zrozumiesz, że nie jest to aż tak doskonałe, ale nawet prawidłowe umieszczenie obiektów na martwej natury jest bardzo, bardzo trudnym zadaniem. I nie każdy fotograf i artysta może to szybko rozwiązać.

A więc przejdźmy do bezpośredniej pracy. Zaczynamy tworzyć kompozycję naszej przyszłej martwej natury.

Przede wszystkim musimy określić, co będzie w centrum zainteresowania widza w naszej martwej natury. Mówiąc najprościej, jaki będzie główny obiekt na naszym obrazie, ten, wokół którego zostanie utworzona i opakowana cała stworzona historia. Cóż, skoro zaczęliśmy rozmawiać o martwej naturze na przykładzie wazonu z owocami, kontynuujmy ten temat. Niech ten wazon będzie centrum, głównym przedmiotem całej kompozycji.

Pierwszym krokiem jest uwzględnienie, że semantyczne i geometryczne centra każdego obrazu, w tym fotografii i oczywiście martwej natury, nie zawsze są zbieżne. Krótko mówiąc, jeśli nasza miska na owoce znajduje się wyraźnie pośrodku obszaru ramy, na przecięciu jej przekątnych, to jest źle (najczęściej źle. Ale nie zapominaj, że są wyjątki od jakichkolwiek reguł ...). Dlatego zalecamy przeniesienie wazonu na jedną stronę ramy. Możesz umieścić lub umieścić obok niego inny lub więcej obiektów. Na przykład połóż jedno jabłko w pobliżu wazonu. Albo postaw obok piękny kieliszek wina ... Jeśli chcesz, miskę z owocami możesz zostawić w doskonałej izolacji. A to też może być piękne i harmonijne. Niemniej jednak będzie to dość trudne. Minimalizm zawsze był trudnym gatunkiem w sztukach wizualnych. Im prościej, tym lepiej - to główna zasada minimalizmu. I nie każdy artysta może to urzeczywistnić, urzeczywistnić. Na początek zalecamy więc skomponowanie martwej natury z kilku obiektów. Ale nie zapominaj o tym, że wszystkie te obiekty są ze sobą powiązane pod względem znaczenia, harmonijne pod względem koloru, kształtu, rozmiaru i tekstury. Na przykład, jeśli czerwone jabłka wygodnie leżą w wazonie, to obok niego, na pięknym śnieżnobiałym obrusie, możesz położyć dumną czerwoną różę. Albo czerwony mak. Ale, powiedzmy, mikser, który przyniosłeś z kuchni, nawet jeśli jest czerwony, będzie całkowicie nieodpowiedni w tej kompozycji. Musimy dążyć do tego, aby przedmioty w martwej naturze wzajemnie się uzupełniały, a nie kłóciły się ze sobą, nie powodowały u widza oszołomienia.

Więc zdecydowaliśmy się na kompozycje. Przechodzimy do kolejnego etapu prac:

Zapalamy światło

Prawidłowo umieszczone lub dobrane światło w martwej naturze jest nie mniej ważne niż sama kompozycja.

Jeśli pracujesz nad martwą naturą w domu, a nie w specjalnym studiu, ale w swoim mieszkaniu, najlepiej zacząć fotografować w naturalnym świetle dziennym. W takim przypadku zalecamy ustawienie sceny niedaleko okna lub naprzeciw niego. Miękkie, rozproszone, a jednocześnie skierowane światło padające z okna na twoją fotografowaną kompozycję stworzy piękne, długie, nieszorstkie cienie z przedmiotów, a jednocześnie korzystnie podkreśli i odsłania fakturę tych obiektów, nada im objętość.

Choć może się to wydawać dziwne, dość łatwo jest kontrolować i regulować naturalne światło słoneczne wpadające przez okno. Można to łatwo zrobić, manipulując różnymi reflektorami i żaluzjami wykonanymi na przykład z kartonu, sklejki lub innych dostępnych materiałów. Odbłyśnikiem może być, powiedzmy, zwykły arkusz papieru formatu A4 oparty o coś na stole tematycznym. Tak, nawet złożona „budka” i umieszczona obok gazety może pełnić funkcję reflektora! Światło wpadające przez okno można też zasłonić zasłonami lub roletami.

Jeśli pracujesz nad swoją martwą naturą wieczorem, a światło dzienne po prostu nie jest dla Ciebie dostępne, musisz pracować ze sztucznym światłem. Jako źródło takiego światła dobrze sprawdza się najzwyklejsza lampa błyskowa do zdjęć. Wystarczy położyć na nim dyfuzor. Niezastosowanie się do tego i fotografowanie bez dyfuzora może spowodować ostre, szorstkie i brzydkie cienie w tle. Jeśli masz do dyspozycji dobre, stałe sztuczne światło, najlepiej używać go w połączeniu z softboxem.

Jako dodatkowe źródło światła można zastosować lampkę biurkową. Na przykład wiązka światła z niego może być skierowana na tło. Ale w tym przypadku należy go umieścić z dala od tła, w odległości około jednego metra. W przeciwnym razie plama światła w tle będzie bardzo ostra, szorstka i brzydka. Lampę stołową można również zainstalować za kompozycją obiektów, które zbudowałeś i wykorzystałeś jako źródło podświetlenia.

Dobrze. Kompozycja jest zbudowana. Światło jest włączone. Wszystko gotowe. Zaczynamy strzelać. Martwe natury najlepiej fotografować ze statywem. Czemu? Ponieważ osiągnięcie określonych celów może wymagać pracy przy dostatecznie długim czasie ekspozycji. A bez statywu takie strzelanie jest po prostu niemożliwe. Kamera musi być stabilna. Jako przykład można przytoczyć martwe natury klasyka fotografii czechosłowackiej z połowy ubiegłego wieku, Vaclava Jiru, które stworzył w swoim studio lub poza nim w nocy, wyłącznie w świetle księżyca, bez dodatkowych źródeł światła. Cóż, a jeśli nie stawiasz sobie tak wysokich celów, to podczas fotografowania z ręki staraj się trzymać aparat, aby się nie trząsł. Smarowanie, zacieranie martwej natury są wykluczone. To taki gatunek w sztuce - wszystko powinno być jasne.

Podczas fotografowania martwej natury zalecamy przestawianie obiektów z miejsca na miejsce, swobodną zmianę światła, przesuwanie jego źródeł w różnych kierunkach. Fotografuj z różnymi czasami otwarcia migawki i różnymi przysłonami. Zmień inne ustawienia aparatu. Strzelaj pod różnymi kątami, z różnych punktów widzenia. Fotografuj z różnymi obiektywami. Improwizuj w ruchu! Szukaj różnych opcji! Właśnie w trakcie kręcenia martwej natury rodzi się pewna pasja, rodzaj odwagi. Będziesz chciał budować coraz więcej opcji kompozycji martwej natury, coraz więcej nowych schematów oświetlenia. Nie powstrzymuj lotu swojej twórczej wyobraźni! Być może dzisiaj stworzysz swoje najlepsze ujęcie, które później cię uwielbi!

Tak, i jeszcze jedna uwaga. Nasza ostatnia rekomendacja na dziś. Jeśli twoja martwa natura ma dużo bieli, przed rozpoczęciem fotografowania zdecydowanie zalecamy, aby pamiętać o prawidłowym ustawieniu balansu bieli w ustawieniach aparatu. W przeciwnym razie później, w trakcie przetwarzania końcowego obrazu na komputerze, będziesz musiał dużo majstrować przy korekcji kolorów w edytorze graficznym. Mówiąc najprościej, w Photoshopie.

W latach 70. w kulturze zachodniej, rzucającej wyzwanie sztuce abstrakcyjnej, pojawił się nowy trend w malarstwie - fotorealizm (lub hiperrealizm, superrealizm). Ogromne płótna malarstwa olejnego, które tylko rozmiarem różnią się od fotografii. W sztuce czegoś takiego nie było - artyści nie brali za podstawę życia, ale fotografię, w dodatku fotografię codzienną, amatorską. Na zdjęciach fotorealistów jest banalna codzienność, bezosobowa, dwuwymiarowa, zimna, bezosobowa, pozbawiona emocji rzeczywistość, przepuszczona przez fotografię. Przy kopiowaniu takich zdjęć superrealność łączy się z dystansem. Ideologią fotorealizmu jest uznanie, że reklama, telewizja, a przede wszystkim fotografia w różnych formach dominują w percepcji wizualnej współczesnego człowieka do tego stopnia, że \u200b\u200bwypierają rzeczywistość jako taką. Fotografia jest przedmiotem równie realnym i ważnym jak rzeczywistość - fotografia jest często nawet bardziej przekonująca niż sama rzeczywistość. Omawiając zasady współczesnej percepcji wizualnej i rolę artysty w społeczeństwie, fotorealizm stał się pierwszą sztuką konceptualną.
Fotorealizm udowodnił, że fotografia jest najwłaściwszym językiem wizualnym dla współczesnej świadomości i percepcji, podstawą całej współczesnej kultury wizualnej.

Ralph Goings. „Niebieski serwetnik”. 1980 rok

Ralph Goings.

Fotografia współczesna (fotografia współczesna) powstała w latach 90. XX wieku, kiedy artyści zaczęli pracować z fotografią jako medium. Współczesna fotografia nie istnieje poza kontekstem i jest niezrozumiała dla nieprzygotowanego widza. Fotografia przestała być przedmiotem estetycznym. Całą współczesną fotografię można podzielić na dwa obszary:
1. Fotografia konceptualna (bada siebie);
2. Fotografia interdyscyplinarna (dyscypliny pokrewne mogą to być: nauka, kultura, socjologia; np. Badania społeczne czy dialog kulturowy z fotografią klasyczną).

Równolegle z fotografią współczesną istnieje sztuka piękna (sztuka piękna, sztuka o pięknie), której jedynym zadaniem jest oddanie piękna otaczającego świata. Sztuki piękne nie dotyczą fotografii współczesnej.

Fotografia konceptualna to fotografia o fotografii, sztuce analizującej sztukę. Jest zajęta odkrywaniem siebie: własnego języka, funkcji, roli, natury.
Głównym zadaniem artysty jest skłonienie widza do myślenia, a fotografia konceptualna stawia raczej pytania niż odpowiedzi. Podczas tworzenia zdjęcia, badań, rozumowania, są one ważniejsze niż efekt końcowy - sama fotografia. Fotografia jest po prostu medium, wizualną formą wyrażania myśli, poszukiwaniem artysty.
Cykl we współczesnej fotografii ma nowe znaczenie - nie jest historią fotografii, jak w modernizmie, ale typologią, jak u Karla Blossfeldta. Z wyjątkiem niektórych autorów, artyści pracują w seriach (wypowiedź rodzi się tylko w serii), gdzie każde zdjęcie zrobione osobno nie jest rodzajem opowieści.

Początkowo fotografia konceptualna była brzydka estetycznie, dokumentalna i obrazowo nieciekawa. W ten sposób artyści zdefiniowali nowy język fotografii, nowy cel. Usuwając z obrazu wszystkie typowe dla fotografii klasycznej wyzwalacze („decydujący moment”, kompozycja, emocje, gesty, rozpoznawalna scena, uwypuklenie tego, co najważniejsze), artyści starali się, aby widz spojrzał na samo zdjęcie, pomyślał o jego naturze. Fotografia konceptualna jest nieoceniająca, sucha i odległa.

Później pojawiła się tzw. „Fotografia postkonceptualna”, która z estetycznego punktu widzenia stała się bardziej powszechna i kosztowna w produkcji, co odpowiednio wpłynęło na cenę finalnego dzieła sztuki. Z reguły takie prace, zgodnie z fotorealizmem, o ogromnych rozmiarach, są filmowane aparatami wielkoformatowymi i drukowane w taki sposób, aby były widoczne wszystkie najmniejsze szczegóły. Dzięki takiemu sposobowi przedstawiania obrazu fotografia maksymalnie zbliża się do rzeczywistości, pozwalając widzowi na podzielenie się rzeczywistością przedstawioną na fotografii. Hyper-detail daje hipertroficzną hiperrzeczywistość. Jednocześnie wielu artystów posługuje się estetyką fotografii amatorskiej, aby przekazać swoje pomysły.

Artyści używają w fotografii współczesnego języka, chyba że wchodzą w dialog kulturowy z historią sztuki lub historią fotografii.

Konceptualne podejście do fotografii mogło początkowo osłabić zainteresowanie gatunkiem martwej natury. Niemniej jednak dzięki niektórym artystom martwa natura fotograficzna otrzymała nowy etap w swoim rozwoju. Na przykład Jan Grover (1943-2012) przekształcił przybory kuchenne w pomysłowe kompozycje. Grover często przedkłada formę nad treść, niemal całkowicie eliminując temat ze swojej pracy. Jej kompozycje często składają się tylko z krawędzi przedmiotów, zredukowanych nie do poznania. Tekstura jest tak samo ważna jak forma. Fotografie z tej serii Grovera to mniej ujęć przyborów kuchennych, a bardziej złożone, czasem abstrakcyjne reprezentacje układów przestrzennych obejmujących kształt, kolor i fakturę.

Jan Grover. Nieuprawny. 1978 rok

Twórczość szwajcarskich artystów Petera Fischli (ur. 1952) i Davida Weissa (1946-2012) głosi, że fotografia jest środkiem, za pomocą którego artysta jest w stanie przedstawić to, co zwyczajne, ale w ich przypadku jest to wypaczone, warunkowe i wątpliwe. Do swojego cyklu „Equilibrium / Quiet Afternoon” wzięli przedmioty codziennego użytku i wyważyli je w niestabilnych strukturach w taki sposób, że dziwne rzeźby balansują na krawędzi zniszczenia. Ich rzeźby, niepodlegające działaniu grawitacji, mają pikantną kruchość i kruchość, a kamera nadawała im wieczność.

Peter Fischley i David Weiss. Ciche popołudnie. 1984-1985

Nobuyoshi Araki (ur. 1940), okrzyknięty genialnym i największym żyjącym japońskim fotografem, szczególnie interesuje się tematyką kobiecości, kobiecej sylwetki i seksu. Za pomocą dojrzałego, lekko pomarszczonego owocu Araki powtórzył kształt żeńskiego organu. Tworząc cykl „Erotos” w 1993 roku, Araki wymyślił nazwę, łączącą dwa kluczowe w jego twórczości tematy: tematy Erosa i Thanatosa (według teorii Z. Freuda „Eros” - miłość, kreacja, seks, życie) Thanatos ”- pragnienie okrucieństwa, agresji, sadyzmu i śmierci). Na zdjęciach Arakiego siły te zderzają się: źródłem męskiego pożądania staje się owoc, który już zaczął pleśnieć i gnić. Krytyk sztuki Jerry Badger powiedział: „Pornografia jest naprawdę w oczach widza”.

Nobuyoshi Araki. „Erotos”. 1993 rok

Zdjęcie Margriet Smulders „Love Conquers All” wywołuje sprzeczne uczucia. Widoczny jest w nim wpływ obrazów z XVII wieku i słychać echa tematu domowego komfortu. Piękno jest tu nierozerwalnie związane z więdnięciem. Kwiaty na fotografiach, które Smulders często robi przy pomocy luster, wydają się wkrótce kruszyć. Ona sama nazywa kwiaty „aktorami”, przedstawiając „cały świat, ze wszystkimi związkami i dramatycznymi sytuacjami”. Na tej fotografii wyczuwa się niejasne zagrożenie: tu i ówdzie zakrzywione gałęzie przecinają kompozycję, a wodnista, niebieska pustka w środku grozi zalaniem całego obrazu i zniszczeniem delikatnych kwiatów. Smulders pracuje w klasycznym gatunku martwej natury, ale przesadne, nierealistyczne kolory tworzą dramatyczny efekt, którego zwykle nie ma w fotografii kwiatowej. Podobnie jak wielu współczesnych fotografów Smulders widział śmierć w naturze i nieuchronność rozkładu. Kwiaty na jej zdjęciu wydają się być oddzielnymi częściami ciała, jak zęby i języki, które są skazane na próchnicę. „Bujne i niezwykle erotyczne obrazy przenoszą w inny wymiar. Ogromne lustra, kunsztowne szklane wazony, gęste draperie, owoce i cięte bukiety - z tego właśnie powstają te „płótna” - mówi sama Margriet Smulders o swojej pracy.

Margriet Smulders. "Miłość wszystko zwycięża." 125х1100 cm Fragment. 2005y

Ta praca jest w dobrej rozdzielczości na stronie autora http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid\u003d10&gallery\u003d7 tam można ją przewijać w dogodnym tempie i trzymać się dowolnej części
Wspaniała witryna Smulders z innymi dziełami http://www.margrietsmulders.nl

Amerykański fotograf James Welling (ur. 1951) nazywa swoją praktykę „odrodzeniem modernizmu, ale w kontekście historycznym”. Seria Flower to głęboka analiza przeszłości fotografii, jej ewolucji. Welling umieszcza sadzonki roślin na czarno-białym filmie i eksponuje je, ich białe cienie odbijają się na czarnym tle negatywu. Następnie, używając kolorowych filtrów o różnych kształtach, ponownie eksponuje. Rezultatem są jasne fotogramy kwiatów - ich ciemne kontury na białym tle z niezliczonymi miękkimi, błyszczącymi odcieniami. John Herschel jest autorem terminu „fotografia” (piszę światłem), natomiast William Henry Fox Talbot zaproponował inny termin - „sciografia” (sztuka cieni). Seria Kwiat jest owocem obu definicji: na pierwszym etapie (tworzenie negatywu) używa się cienia rośliny, w drugim (tworzenie kolorowego pozytywu) cień wypełnia jasne światło, dając początek fotografii. Welling przypomina nam, że cień odgrywa w fotografii równie ważną rolę jak światło. „Nie chodzi o to, że nie interesuje mnie treść, ale treść nie jest jedyną rzeczą, która nadaje znaczenie zdjęciu” - mówi Welling.

James Welling. Z serii „Kwiatek”. Autorska technika fotogramu. 2006 rok
Fotogramy kwiatów na stronie Wellinga, gdzie można znaleźć inne projekty http://jameswelling.net/projects/17

Monumentalne abstrakcje autorstwa Christiana Marklei (ur. 1955) - „Przypomnienie (przetrwanie najsilniejszych)”. Nazwa jest wskazówką - przypomnieniem o zagrożonych mediach. Po bliższym przyjrzeniu się, pęknięte kasety stają się zauważalne, staje się jasne, że rozwinięta taśma magnetyczna jest rozciągnięta wzdłuż całego obrazu. Ze względu na aluzję do teorii Darwina i „wyginięcia” kaset Markle umiejętnie odtworzył niemal wymarłą technologię cyjanotypii XIX wieku i naśladował „wymarły” styl abstrakcyjnego impresjonizmu i Jacksona Pollocka.

Christian Markle. „Najsilniejszy przeżywa”. Cyjanotypy. 2008 r.

„Promieniowanie emanuje z prawdziwego,„ tamtego ”ciała, które mnie dotyka, czyli w innym miejscu; moim spojrzeniem ciało sfotografowanej rzeczy łączy pozory pępowiny ”- napisał Roland Barthes, a jego słowa powtórzyły stwierdzenie Susan Sontag, że„ fotografia pozwala, aby przedstawiony na niej obiekt dotykał nas jak spóźnione promienie gwiazd ”. Ślad, wskaźnik, jakikolwiek wątek łączący fotografię z rzeczywistością ciekawie splata się z twórczością brytyjskiego fotografa Richarda Learoyda (ur. 1966). W swoim warsztacie opracował zupełnie nową technikę fotograficzną. Wykorzystując pomieszczenie jako ciemnię, tworzy ogromne płótna na pozytywowym papierze fotograficznym. Światło odbijające się od obiektu jest tym samym, które świeci w twoich oczach. Jak powiedziałby Barthes, podmiot i widz są połączeni pępowiną zbudowaną z fotonów. Zwierciadlane odbicia Leroyda wydają się niewiarygodnie bliskie; takie fotografie pierwsi teoretycy fotografii nazywali „szaleństwem materii” lub, jak powiedział André Bazin, „halucynacją, która jest jednocześnie prawdziwa”.
Na zdjęciu „Betonowe bloki z zającem” martwe ciało zająca „trzyma” betonowe bloki w stanie półzawieszonym, reprezentując zastygłą parodię życia. Reprodukcje Leroyda, podobnie jak wielu innych współczesnych artystów, rzadko trafiają do widzów. Jego innowacyjna technika fotograficzna pozwala mu tworzyć monumentalne obrazy z niesamowicie ostrymi szczegółami, nawet przy oglądaniu z bliska. Widzów przyciągają ogromne płótna z hiperrealistycznymi obrazami. Na przedstawionym tu zdjęciu taka siła obecności, taka wiarygodność, tworzy ostry kontrast z martwym ciałem martwego zwierzęcia. Wykorzystanie przez Leroyda pozytywowego papieru fotograficznego przywodzi na myśl jedną z pierwszych form fotografii (która stała się popularna w fotografowaniu zmarłych): dagerotyp. Światło pochodzi bezpośrednio z obiektu i osiada na powierzchni dagerotypu, gdzie podobnie jak w technice Leroyda nie ma negatywu pośredniego.

Richard Learyd. „Bloczki betonowe z zającem”. 2007 rok

Film o Leroydzie i jego aparacie http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Większość prac niemieckiego mistrza Thomasa Demanda (ur. 1964) jest kopiowana ze zdjęć, w tym z wiadomości, nabierając potrójnego znaczenia: w rzeczywistości są to fotografie papierowych rzeźb przedstawiających fotografie oryginalnego obrazu. Zdanie sobie z tego sprawy prowadzi widza w dół wzdłuż galerii luster, gdzie widać różnicę między rzeczywistością a fikcją. Popyt zaczyna się od wybrania zdjęcia, a następnie tworzy naturalnej wielkości trójwymiarową kopię papieru i kartonu, którą niszczy po zakończeniu sesji. Oryginalne zdjęcia często przedstawiają słynne wydarzenia: w swojej pracy „Polling Center” reprodukował zdjęcia Centrum Operacji Awaryjnych w Palm Beach, gdzie odbywały się wybory prezydenckie w 2000 roku. Na zdjęciu pojawia się pytanie o proces „kontemplowania papieru z dziurami przez ponad 6 tygodni, kiedy dwie lub trzysta kartek papieru znacząco wpłynęłoby na losy tego świata”. Na pierwszy rzut oka obraz na zdjęciu wygląda jak duże biuro. Jednak po bliższym przyjrzeniu się można zauważyć, że wszystkie telefony są takie same, powierzchnie są płaskie i to jest biuro wykonane z papieru. Papier jest zarówno tłoczonym nośnikiem obrazu, jak i przedmiotem obrazu (karty do głosowania). Demand, subtelnie naśladując rzeczywistość, stawia pytanie o wiarygodność fotografii. Czy można ufać zdjęciom? Czy to, co przedstawia, jest prawdziwe?

Thomas Demand. „Punkt wyborczy”. 2001 rok
Prace Demanda na jego stronie (nie zapominaj, że to tylko papier) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Ludzie często postrzegają fotografię jako medium, które naprawdę oddaje kawałek świata. Praca Oriego Gershta (ur. 1967) komplikuje ten pogląd, zmuszając widza do poszukiwania rozbieżności między fotografią a ludzkim wzrokiem. Obraz „Eksplozja” z serii „W kółko” przedstawia hiperrealistyczny obraz, w którym czas rozszczepia się na drobne cząsteczki, co jest poza zasięgiem ludzkiego oka. Wydobywa też na powierzchnię napięcie, które panuje między pięknem a okrucieństwem. Gersht przyznaje: „Interesują mnie przeciwieństwa - piękno i odrzucenie, jak moment zniszczenia podczas eksplozji bukietu staje się dla mnie momentem tworzenia”. Gersht najpierw zamroził kwiaty ciekłym azotem, a następnie umieścił między płatkami małe wybuchowe pociski i uchwycił momenty eksplozji przy użyciu dużej prędkości aparaty cyfrowe oraz specjalnie zaprojektowane urządzenie elektroniczne, które je wyzwoliło. Bukiet kwiatów został uwieczniony w momencie wybuchu.

Ori Gersht. "Bukiet kwiatów". 2000 rok

Kolejny projekt na stronie CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Sharon Core (ur. 1965) początkowo studiowała artystkę, a później przekwalifikowała się na fotografa. Dlatego nakreśla wyraźną granicę między tymi dwoma środkami wyrazu. Wchodząc w dialog z fotorealistami, którzy malowali obrazy ze zdjęć, Cor tworzy fotografie z obrazów. Obraz „Jabłka” znalazł się w serii „Styl kolonialny”. Patrząc na to zdjęcie, wydaje się, że jest to tylko fotografia obrazu z epoki dawnych mistrzów. „Przedstawiam 'rzeczywistość' dziewiętnastowiecznego obrazu pod względem oświetlenia, pomysłu i skali ... aby skończyć z iluzorycznym obrazem innej epoki.” Inspiracją dla niego był Rafaelle Peale, autor ponad stu martwych natur powstałych w latach 1812-1824. Podczas odtwarzania kompozycji z obrazu Peale w jej pracowni Cor próbowała przekształcić trójwymiarowe obiekty w wytłaczane dwuwymiarowe powierzchnie z obrazu artystki. Jej technika wyznacza odważną granicę między fotografią a malarstwem, pozostawiając widzów zastanawiających się nad gatunkiem dzieła i rolą autentyczności.

Sharon Cor. "Jabłka". 2009 rok

Dzieło Laury Letinsky (ur. 1962) „Bez tytułu nr 23” swoim stylem przypomina starą martwą naturę, w której wyraźnie widać holenderskie i flamandzkie tradycje. Przyznaje, że jest pod wpływem dziwacznej mieszanki północnego i południowego renesansu, a jej kreacje odzwierciedlają to „niejednoznaczne, niepokojące i ciężkie” poczucie przestrzeni. Kompozycje Letińskiego prezentowane są w naturalnym świetle. Dla niej światło to także aktor, „niekontrolowany ... Światło potrafi zaskoczyć”. Do większości swoich prac wykorzystuje poranne światło, ale w przypadku serii Dog and Wolf wybrała aksamitną poświatę zmierzchu i bardzo długi czas otwarcia migawki. Tytuł serialu jest aluzją do francuskiego powiedzenia o zmierzchu, czasie czarów, kiedy psy zamieniają się w wilki.
Jej wielkoformatowe fotografie tworzą atmosferę namacalności i intymności, jakby wystarczyło sięgnąć po
przedmiot. „Byłem zdumiony, że Ostatnia Wieczerza to scena posiłku, w której jedzenie na stole pełni rolę dodatkowej postaci, drugoplanowej. I pomyślałem, co by się stało, gdyby główni bohaterowie zostali usunięci, a wszystko inne pozostało takie, jakie jest. Jej głównym celem jest przekonanie, że fotografia pokazuje coś, czego już nie ma.
Wyrzucona skórka na wpół zjedzonej pomarańczy i porozrzucane skorupy pistacji - cała scena przypomina nieoczyszczony stół po obiedzie. „Fotografuję resztki jedzenia i szumowiny, aby przeanalizować związek między dojrzałością a zniszczeniem, wyrafinowaniem i niezdarnością, kontrolą i przypadkowością”. Perspektywa obrazu jest dość nietypowa: stół wygląda geometrycznie nieproporcjonalnie, a pistacje na podłodze praktycznie łączą się z muszlami na stole. Upiorna kompozycja Letinsky'ego tworzy bolesną atmosferę niepewności i braku ludzkiej obecności w przeszłości. „Zastanawiam się, co się stało 'później', co zostało ... i co odeszło na zawsze”.

Laura Letinsky. „Bez tytułu nr 23”. 2009 rok

Każdy autor ma własne podejście do martwej natury, każdy rozwiązuje własne problemy, stosując unikalne metody pozyskiwania obrazów i form prezentacji. W każdym razie we współczesnej martwej natury, jak we wszystkich współczesnych fotografiach, idea wysuwa się na pierwszy plan. W zależności od oświadczenia dobiera się metodę fotografowania (inscenizacyjną lub dokumentalną) oraz sposób prezentacji ostatecznego obrazu (plastyfikacja, lightboxy, autorskie fotoksiążki, obrazy uzyskane alternatywnymi metodami druku lub przy użyciu pierwszych technologii fotograficznych itp.).

Malownicze martwe natury z XIV wieku opowiadały o przemijaniu wszystkiego, co ziemskie, i nieuchronności śmierci. Były wypełnione symbolami, których znaczenie jest dziś trudne do zrozumienia dla przeciętnego widza. A o czym mówi nam współczesna martwa natura? Jakie tematy niepokoją fotografów zajmujących się tym gatunkiem? Dowiemy się o tym na seminarium.

CO WIESZ?
- Czy ze średniowiecza zachowały się główne motywy martwej natury? O czym dziś są prace z tego gatunku?
- Co jest lepsze dla martwej natury - owoce, motyle, kwiaty czy śmieci?
-Czy potrafisz skomponować martwą naturę z tysiąca obiektów?
Kto tworzy najbardziej skandaliczne martwe natury?
-Czy możesz fotografować martwe natury pod wodą i co z tego wynika?
- Czy dobrze jest fotografować skomponowane kompozycje, czy lepiej jest znaleźć kompozycje, które ułożyły się same?
-Czy można używać Photoshopa do rysowania martwej natury, czy też wszystko powinno być „fair”?

DLA KOGO TO JEST?
Seminarium przeznaczone jest dla szerokiego grona słuchaczy i nie wymaga specjalnych umiejętności. Nikt z obecnych nie będzie się nudził na lekcji, wystarczy zainteresowanie współczesną fotografią.

Informacje wideo
Imię: Fotografia jako sztuka współczesna: martwa natura
Andrey Zeigarnik
Rok wydania: 2017
Gatunek muzyczny: Seminarium
Język: Rosyjski
Wydany: Rosja
Trwanie: 02:21:54

Plik
Format: MKV
Wideo: AVC, 1440x900, ~ 997 Kb / s
Audio: AAC, stratne kb / s, 48,0 kHz
Rozmiar pliku: 1,1 Gb