Piękne kompozycje martwej natury współczesnych fotografów. Zdjęcia martwych natur

Rozważ zastosowanie i kombinację różne rodzaje kompozycje w zależności od wybranego obrazu i projektu na przykładach.

Martwa natura nosi tytuł „Historia zapomnianej w podróży latarni”.
Podczas tworzenia tej martwej natury użyto tylko płonącej latarni, którą przeniesiono na brzeg pokrytego śniegiem zbiornika. Następnie w Photoshopie dodałem fakturę okładki starej książki, uwydatniając płomień.
Pomysł był bardzo ważny przy wyborze kompozycji martwej natury. Obiektów powinno być minimum, aby nic nie odrywało uwagi od głównego obiektu, a punkt widzenia został tak dobrany, aby krajobraz w tle był czytelny z wychodzącą perspektywą wybrzeża. Mapowanie tekstury sprawia, że \u200b\u200bzdjęcie jest bardziej dramatyczne. Kompozycja jest ukośna, liniowa dla podkreślenia kształtu obiektów i linii wybrzeża. Główny akcent kompozycji - ogień, znajduje się na przecięciu linii złotej sekcji. Większość kompozycji zostaje przesunięta w lewo, w wyniku czego oko z pożaru nadal podąża wzdłuż linii brzegowej do prawego górnego rogu, szukając tam przeciwnego, ukośnie równoważącego się miejsca. Takim miejscem mógłby być statek na horyzoncie, którego brakuje dla wzmocnienia poczucia samotności w pracy.

Martwa natura nazywa się Symphony in Red and Gold. Nazwa i styl pracy są inspirowane twórczością Whistlera, artysty, który zajął się kwestią harmonii kolorystycznej jako kluczowymi elementami koncepcji artystycznej. Często nazywał swoje dzieła „symfoniami”. Kompozycja zbudowana jest w owalu dla podkreślenia miękkich, zaokrąglonych kształtów przedmiotów, owal jest kontynuowany w okienku zegara. Kontury przedmiotów są zmiękczone, rozmyte, powstaje efekt zamglenia, blasku, prawie sen. Same przedmioty są wybrane jako symbole wiedzy: zepsuty granat to struktura wiedzy, książki i zwój to jego wynik, a zegar (symbol czasu) jest warunek konieczny... Praca opiera się na jedności relacji tonalnych i kolorystycznych (dla ciemnych tonów).

„Historia starego marynarza” lub „Historia starego marynarza”. Historia tej martwej natury jest dość prosta: przedmioty są wybierane przez skojarzenie z krajami południowymi, przetwarzane w stylu stare zdjęcieczęściowo kolorowe. Ale sama martwa natura jest wystawiona w taki sposób, że jej obiekty w ich masie wyglądały jak portret (za podstawę przyjęto dzieło renesansowego artysty D. Archimboldo). W związku z tym w spektaklu występuje podwójne skojarzenie z długą podróżą: obiekty z „odległych krain” oraz narrator - „dziadek podróżnik”.

"Oczekiwanie". Zdjęcie zostało zrobione w Muzeum Samochodów Retro w Moskwie. Zrównoważona kompozycja z tonalnym rytmem sylwetki. Celem pracy jest to, że każdy element ma swój własny czas. Kompozycja jest zbudowana w taki sposób, aby stworzyć wrażenie stacji, na której pasażerowie (rzeczy) przed tablicą wyników (zegar) czekają na swoją kolej ...

"Spadek". Martwa natura o tematyce jesiennej jest wszędzie bardzo różnorodna, bogata i piękna. Jeśli przypomnimy sobie malownicze martwe natury M. di Caravaggia, to uosabiają one całą płodność „jesieni”, triumfu Bachusa. Dlatego kompozycja tej martwej natury jest oparta na technikach stosowanych przez włoskiego artystę. Przedmioty przedstawione są konturowo, dekoracyjnie, kompozycja zbudowana jest na kształt „trójkąta”. Klasyczny wygląd nadaje również faktura nakładki.

„Rumianek” lub „Martwa natura ze wsi”. Kompozycja jest również zbudowana w trójkącie, ale główny nacisk kładziony jest na oświetlenie - lekkie, ciepłe, miękkie. Jedność relacji tonalnych i kolorystycznych (za pomocą jasnych tonów) zapewnia pracy poczucie spokoju, bezpretensjonalnego, prostego piękna.

"Porzeczka". Liniowa kompozycja fryzu doskonale nadaje się do podkreślenia piękna linii pędzli porzeczkowych, płynności ich przejść. Rytm zaokrąglonych kształtów stwarza wrażenie rozrzuconych koralików.

"Wszystko przepadło." Kompozycja tonalna, fryzowa, w kształcie trójkąta. Suszone kwiaty, „uschnięte” jabłka i rozdrobniony, zakurzony talerz uznano za symbole starości. Linie nachylenia kwiatów stwarzają „dialog” między przedmiotami, rozmową, wzajemną pomocą i wsparciem. Akcenty utrzymane są w odcieniach żółci i zieleni.

„Mroźna jesień”. Przepiękny zimny, niebiesko-fioletowy odcień obecny w przedmiotach stwarza atmosferę szlachetności, uczucie lekkiego mrozu, mrozu. Oryginalny kolor jabłka przypomina mroźne wzory na szkle.

„Wszystko jest zapomniane”. Liniowa kompozycja konturu wiatrownicy. Suszone kwiaty, „więdnące” jabłka, wyszczerbiony, zakurzony talerz to symbole starości. W przeciwieństwie do martwej natury „Wszystko minęło”, nie ma dialogu, więc w tytule brzmi słowo „zapomniane”. Akcenty utrzymane są w odcieniach żółci i bieli.

Herbata jagodowa. Dynamiczna kompozycja diagonalna, liniowa, zbudowana w rytmie barw czerwieni, czerni i bieli. Zestawienia kolorystyczne zostały dobrane w połączeniu z herbatą jagodowo-kwiatową - ciepłą, ze złożonym czerwono-brązowym odcieniem. Mały nacisk w obróbce kładzie się na styl retro.

"Jeżyna". Styl retro. Szlachetne ciemnobrązowe odcienie jeżyn i kwiatów malwy są zaakcentowane przez kontrast z żółtym kolorem filiżanki
.

"Symfonia". Kompozycja diagonalna, liniowa. Kwiaty i liście ułożone są w kolejności zbliżonej do notacji nut. Kwiaty w wazonie symbolizują różne odcienie muzyki (forte, piano). Draperia w tle zapewnia wsparcie dla linii pierwszego planu.

Praca opiera się na jedności relacji tonalnych i kolorystycznych. Kompozycja liniowa w bliskim zakresie. Idea porównania dwóch zasad tkwi w martwej naturze - 1. Kruchość, delikatność, lekkość, ulotność, kruchość (floks), 2. Twardość, wieczność, stałość, statyczność (wazon kamienny) i połączenie ich: ciepła, elegancji, plastyczności i niepowtarzalności konturów kwiatów i kamienne linie kolorystyczne.

„Muszla morska”. Kompozycja zbudowana jest na planie koła. Kwiaty pełnią rolę symboli (alegorii) morskich gwiazd, a wazon to muszla. Dodatkowa konsystencja nadaje pracy efekt mieniących się w słońcu złotych fal.

"Pasterka". Tutaj ten sam wazon działa jak kosz. Układ przedmiotów (kwiaty, liście i wazon) jest płaski, dekoracyjny, konturowy. Praca przywołuje skojarzenia z francuskim malarstwem rokokowym.

„Wieczorne cienie”. W tej martwej naturze, dla konstrukcji kompozycji, ważną rolę odegrały nie tylko same obiekty (astry i jabłka), ale także padające z nich cienie, które działają (dzięki swej czytelnej formie) jako samodzielne obiekty strzeleckie.

"Dla niej ..." Tonowe rozwiązanie kompozycji. Martwa natura wykonana jest w stylu starych pocztówek. Kwiaty (duże białe piwonie) w wazonie, sznurki białych pereł, pierścionki i kolczyki z perełkami - to wszystko wskazuje na „kobiecość” martwej natury. Dodatkowa mgiełka i inne tekstury nadają pracy dodatkowej lekkości i zwiewności.

„Naturzhiv”. Martwa natura dosłownie tłumaczy się jako „martwa natura”. Ale od czasu pojawienia się tego gatunku w sztuce sytuacja zaczęła się zmieniać. W fotografii pojawiła się nowa nazwa tego gatunku - „Martwa natura” - „spokojne życie”, coraz więcej eksperymentów. Ideą tej pracy były „narodziny nowej martwej natury”. Kociak w martwej naturze - centrum kompozycji - główny składnik martwej natury. Kompozycja tonów liniowych zbudowana jest w trójkącie. Jasny ton martwej natury, podświetlane od tyłu włosy futra kociaka, jego poza są symbolami narodzin. Owoce są również małe, aby utrzymać atmosferę.

„Astry”. Klasyczna martwa natura, kształt wazonu podkreśla ciemne tło. Kompozycja jest ukośna, przewaga w bukiecie dwóch astry (liliowego i białego) po prawej stronie tworzy opowieść o tym, jak 2 kwiaty wyglądały z tłumu, aby podziwiać się w lustrze. A samo lustro w połączeniu z ciemnym tłem nadaje pracy odrobinę teatralnej oprawy.

Buecher. Klasyczna kompozycja, zbudowana na relacjach tonalnych między obiektami, zbudowana jest na kształt „trójkąta”, w którym ważną rolę odgrywa również jego centralna oś (znajdują się na niej punkty semantyczne: głowa dziewczynki w oknie autorstwa Vermeera, kontrastowa biała kartka na ciemnym tle książki, moneta). Dwie świece stojące równolegle i wydobywający się z nich dym nadają kompozycji dynamiczny efekt.

Martwa natura z motylem. Dwuczęściowa kompozycja oparta na unifikacji grup obiektów i podsumowaniu ich kompozycji kompozycyjnych - grupa nośna (w tej martwej naturze - trójkąt uzyskany przez grupę liści) znajduje się wewnątrz głównej (elipsy uzyskanej przez ogólne ustawienie obiektów). Kompozycja „konturowa”, „liniowa”. Podparcie kolorystyczne dolnego lewego i górnego prawego narożnika (w tle motyl i draperia) jest również (wraz z linią wzroku z nosa dzbanka) i dynamicznym wyjściem do lewego górnego rogu.

Mamut. Klasyczna „kompozycja tonalna, zbudowana na kształt„ trójkąta prostokątnego ”. Martwe przedmioty tworzą dwie zrównoważone względem siebie grupy: grupa 1 - dwa dzbanki, grupa 2 - dwa słonie.

Ceramika. Kompozycja tonalna, zbudowana w owalu. Dynamiczne wyjścia w nim to wizualne linie z liścia klonu, dwoje uszu i uchwyt deski. Przybliżona gama kolorów nie tylko łączy obiekty, ale także podkreśla ich indywidualność wzmacniając rolę faktury.

Klasyczna martwa natura. „Kontur”, kompozycja „liniowa”, zbudowana na interakcji dwóch grup obiektów, połączonych w geometryczne kształty: grupa 1 - zbudowana na akcentach w tonacji żółto-zielonej, „pół-owalna” - główna, grupa 2 - „trójkąt”, zbudowana na ścisłych barwach - dodatkowy. Kompozycja zawiera dynamiczne wyjścia w lewy górny i prawy górny róg: liście kwiatowe, rączka kosza, blat świecy, rączka dzbanka.

Teekane. „Kompozycja tonalna oparta na kontraście jasnych i ciemnych tonów. Główny ośrodek kompozycyjny zbudowany jest według kontrastujących punktów, dodatkowy - według przylegających punktów. Rytm w kompozycji wyznaczają pasy w tle, one też balansują.

Mandarynki. Stwierdzenie 1. Ukośna kompozycja zawierająca grupę obiektów połączonych dodatkowo w figurę geometryczną „elipsę”. Kompozycja jest konturowa, oparta na bliskich zestawieniach kolorystycznych.

Mandarynki. Stwierdzenie 2. Kompozycja dwuczęściowa (trójkąt i elipsa), kontur, zbudowany na bliskich zestawieniach kolorystycznych. Wyjścia dynamiczne: 1 - wizualne linie wzdłuż prześcieradła i szyjki dzbanka w lewym górnym rogu; 2 - wizualne linie wzdłuż skórki mandarynki w lewym dolnym i prawym rogu.

Autor: Julia Dorofeeva

W latach 70. w kulturze zachodniej, rzucającej wyzwanie sztuce abstrakcyjnej, pojawił się nowy trend w malarstwie - fotorealizm (lub hiperrealizm, superrealizm). Ogromne płótna malarstwa olejnego, które różnią się tylko rozmiarem od fotografii. W sztuce czegoś takiego nie było - artyści nie brali za podstawę życia, ale fotografię, zresztą fotografię codzienną, amatorską. Na zdjęciach fotorealistów jest banalna codzienność, przepuszczona przez fotografię bezosobowa, dwuwymiarowa, zimna, bezosobowa, pozbawiona emocji rzeczywistość. Przy kopiowaniu takich fotografii superrealność łączy się z dystansem. Ideologią fotorealizmu jest uznanie, że reklama, telewizja, a przede wszystkim fotografia w różnych formach tak dominują w wizualnym odbiorze współczesnego człowieka, że \u200b\u200bzastępują rzeczywistość jako taką. Fotografia jest przedmiotem równie realnym i ważnym jak rzeczywistość - fotografia jest często nawet bardziej przekonująca niż sama rzeczywistość. Omawiając zasady współczesnej percepcji wizualnej i rolę artysty w społeczeństwie, fotorealizm stał się pierwszą sztuką konceptualną.
Fotorealizm udowodnił, że fotografia jest najbardziej adekwatnym językiem wizualnym dla współczesnej świadomości i percepcji, podstawą całej współczesnej kultury wizualnej.

Ralph Goings. „Niebieski serwetnik”. 1980 rok

Ralph Goings.

Fotografia współczesna (fotografia współczesna) powstała w latach 90. XX wieku, kiedy artyści zaczęli pracować z fotografią jako medium. Współczesna fotografia nie istnieje poza kontekstem i jest niezrozumiała dla nieprzygotowanego widza. Fotografia przestała być przedmiotem estetycznym. Całą współczesną fotografię można podzielić na dwa obszary:
1. Fotografia konceptualna (bada siebie);
2. Fotografia interdyscyplinarna (dyscypliny pokrewne mogą to być: nauka, kultura, socjologia; np. Badania społeczne czy dialog kulturowy z fotografią klasyczną).

Równolegle z fotografią współczesną istnieje sztuka piękna (sztuka piękna, sztuka o pięknie), której jedynym zadaniem jest oddanie piękna otaczającego świata. Dzieła sztuki nie dotyczą współczesnej fotografii.

Fotografia konceptualna to fotografia o fotografii, sztuce analizującej sztukę. Jest zajęta odkrywaniem siebie: własnego języka, funkcji, roli, natury.
Głównym zadaniem artysty jest skłonienie widza do myślenia, a fotografia konceptualna stawia raczej pytania niż odpowiedzi. Podczas tworzenia zdjęcia, badań, rozumowania, są one ważniejsze niż efekt końcowy - sama fotografia. Fotografia jest po prostu medium, wizualną formą wyrażania myśli, poszukiwaniem artysty.
Cykl we współczesnej fotografii ma nowe znaczenie - nie jest historią fotografii, jak w modernizmie, ale typologią, jak u Karla Blossfeldta. Z wyjątkiem niektórych autorów, artyści pracują w seriach (wypowiedź rodzi się tylko w serii), gdzie każde zdjęcie zrobione osobno nie jest rodzajem opowieści.

Początkowo fotografia konceptualna była brzydka estetycznie, dokumentalna i obrazowo nieciekawa. W ten sposób artyści zdefiniowali nowy język fotografii, nowy cel. Usuwając z obrazu wszystkie typowe dla fotografii klasycznej wyzwalacze („decydujący moment”, kompozycja, emocje, gesty, rozpoznawalna scena, uwypuklenie tego, co najważniejsze), artyści starali się, aby widz spojrzał na samą fotografię, pomyślał o jej naturze. Fotografia konceptualna jest nieoceniająca, sucha i odległa.

Później pojawiła się tzw. „Fotografia postkonceptualna”, która z estetycznego punktu widzenia stała się bardziej powszechna i kosztowna w produkcji, co odpowiednio wpłynęło na cenę finalnego dzieła sztuki. Z reguły takie prace, po fotorealizmie, o ogromnych rozmiarach, są filmowane kamerami wielkoformatowymi i drukowane w taki sposób, aby widoczne były wszystkie najmniejsze szczegóły. Dzięki takiemu sposobowi prezentacji obrazu fotografia maksymalnie zbliża się do rzeczywistości, pozwalając widzowi na podzielenie się rzeczywistością przedstawioną na fotografii. Hyper-detail daje hipertroficzną hiper-rzeczywistość. Jednocześnie wielu artystów wykorzystuje estetykę fotografii amatorskiej do przekazywania swoich pomysłów.

Artyści używają w fotografii współczesnego języka, chyba że wchodzą w dialog kulturowy z historią sztuki lub historią fotografii.

Konceptualne podejście do fotografii mogło początkowo osłabić zainteresowanie gatunkiem martwej natury. Niemniej jednak, dzięki niektórym artystom, fotograficzna martwa natura otrzymała nowy etap rozwoju. Na przykład Jan Grover (1943-2012) przekształcił przybory kuchenne w pomysłowe kompozycje. Grover często przedkłada formę nad treść, niemal całkowicie eliminując temat ze swojej pracy. Jej kompozycje często składają się tylko z krawędzi przedmiotów, zredukowanych nie do poznania. Tekstura jest tak samo ważna jak forma. Zdjęcia z tej serii Grovera są mniej przyborami kuchennymi, a bardziej złożonym, czasem abstrakcyjnym przedstawieniem układów przestrzennych obejmujących kształt, kolor i fakturę.

Jan Grover. Nieuprawny. 1978 rok

Twórczość szwajcarskich artystów Petera Fischli (ur. 1952) i Davida Weissa (1946-2012) głosi, że fotografia jest środkiem, za pomocą którego artysta jest w stanie przedstawić zwyczajność, ale w ich przypadku jest ona wypaczona, konwencjonalna, wątpliwa. Do swojego cyklu „Equilibrium / Quiet Afternoon” wzięli przedmioty codziennego użytku i wyważyli je w niestabilnych strukturach w taki sposób, że dziwne rzeźby balansują na krawędzi zniszczenia. Ich rzeźby, niepodlegające działaniu grawitacji, mają pikantną kruchość i kruchość, a kamera nadawała im wieczność.

Peter Fischley i David Weiss. Ciche popołudnie. 1984-1985

Nobuyoshi Araki (ur. 1940), okrzyknięty geniuszem i największym żyjącym japońskim fotografem, szczególnie interesuje się tematyką kobiecości, kobiecej sylwetki i seksu. Za pomocą dojrzałego, lekko pomarszczonego owocu Araki powtórzył kształt żeńskiego organu. Tworząc serię „Erotos” w 1993 roku, Araki wymyślił nazwę, łącząc w niej dwa wątki odgrywające kluczową rolę w jego twórczości: tematy Erosa i Tanatosa (według teorii Freuda „Eros” - miłość, kreacja, seks, życie, Thanatos ”- pragnienie okrucieństwa, agresji, sadyzmu i śmierci). Na zdjęciach Arakiego siły te zderzają się: źródłem męskiego pożądania jest owoc, który już zaczął pleśnieć i gnić. Krytyk sztuki Jerry Badger powiedział: „Pornografia jest naprawdę w oczach widza”.

Nobuyoshi Araki. „Erotos”. 1993 rok

Zdjęcie autorstwa Margriet Smulders „Miłość zwycięża wszystko” wywołuje sprzeczne uczucia. Widoczny jest w nim wpływ malowideł z XVII wieku i słychać echo tematu domowego komfortu. Piękno jest tutaj nierozerwalnie związane z więdnięciem. Kwiaty na zdjęciach, które Smulders często robi z lustrami, wydają się wkrótce kruszyć. Ona sama nazywa kwiaty „aktorami” przedstawiającymi „cały świat, ze wszystkimi związkami i dramatycznymi sytuacjami”. Na tej fotografii istnieje niejasne zagrożenie: tu i ówdzie zakrzywione gałęzie przecinają kompozycję, a wodnista, niebieska pustka w środku grozi zalaniem całego obrazu i zniszczeniem delikatnych kwiatów. Smulders pracuje w klasycznym gatunku martwej natury, ale przesadne, nierealistyczne kolory tworzą dramatyczny efekt, którego zwykle nie ma w fotografii kwiatowej. Podobnie jak wielu współczesnych fotografów Smulders widział śmierć w naturze i nieuchronność rozkładu. Kwiaty na jej zdjęciu wydają się być oddzielnymi częściami ciała, jak zęby i języki, które są skazane na próchnicę. „Bujne i niezwykle erotyczne obrazy przenoszą w inny wymiar. Ogromne lustra, kunsztowne szklane wazony, gęste draperie, owoce i cięte bukiety - z tego właśnie powstają te „płótna” - mówi o swoich pracach sama Margriet Smulders.

Margriet Smulders. "Miłość wszystko zwycięża." 125х1100 cm Fragment. 2005y

Ta praca jest w dobrej rozdzielczości na stronie autora http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid\u003d10&gallery\u003d7 tam można ją przewijać w wygodnym tempie i trzymać się dowolnej części
Wspaniała witryna Smulders z innymi dziełami http://www.margrietsmulders.nl

Amerykański fotograf James Welling (ur. 1951) nazywa swoją praktykę „odrodzeniem modernizmu, ale w kontekście historycznym”. Seria Flower to głęboka analiza przeszłości fotografii, jej ewolucji. Welling umieszcza sadzonki roślin na czarno-białym filmie i eksponuje je, ich białe cienie odbijają się na czarnym tle negatywu. Następnie, używając kolorowych filtrów o różnych kształtach, ponownie eksponuje. Rezultatem są jasne fotogramy kwiatów - ich ciemne kontury na białym tle z niezliczonymi miękkimi, świecącymi odcieniami. John Herschel jest autorem terminu „fotografia” (piszę światłem), natomiast William Henry Fox Talbot zaproponował inny termin - „sciografia” (sztuka cieni). Seria Kwiat jest owocem obu definicji: na pierwszym etapie (tworzenie negatywu) używany jest cień rośliny, w drugim (tworzenie kolorowego pozytywu) cień wypełnia się jasnym światłem, dając początek fotografii. Welling przypomina nam, że cień odgrywa w fotografii równie ważną rolę jak światło. „Nie chodzi o to, że nie jestem niezainteresowany treścią, ale treść nie jest jedyną rzeczą, która nadaje znaczenie fotografii” - mówi Welling.

James Welling. Z serii „Kwiatek”. Autorska technika fotogramu. 2006 rok
Fotogramy kwiatów na stronie Wellinga, gdzie można znaleźć inne projekty http://jameswelling.net/projects/17

Monumentalna abstrakcja autorstwa Christiana Marklea (ur. 1955) - „Przypomnienie (Survives the fitest)”. Nazwa jest wskazówką - przypomnieniem o zagrożonych mediach. Po bliższym przyjrzeniu się, zepsute kasety stają się zauważalne, staje się jasne, że rozwinięta taśma magnetyczna jest rozciągnięta wzdłuż całego obrazu. Ze względu na aluzję do teorii Darwina i „wyginięcia” kaset, Marklee umiejętnie odtworzył niemal wymarłą XIX-wieczną technologię cyjanotypowania i naśladował „wymarły” styl abstrakcyjnego impresjonizmu i Jacksona Pollocka.

Christian Markle. „Najsilniejszy przeżywa”. Cyjanotypy. 2008 r.

„Promieniowanie emanuje z prawdziwego ciała„ które tam było ”, które mnie dotyka, czyli w innym punkcie; moim spojrzeniem ciało sfotografowanej rzeczy łączy pozory pępowiny ”- napisał Roland Barthes, a jego słowa powtórzyły stwierdzenie Susan Sontag, że„ fotografia pozwala fotografowanemu obiektowi dotykać nas jak spóźnione promienie gwiazd ”. Ślad, wskaźnik, jakikolwiek wątek łączący fotografię z rzeczywistością jest ciekawie wpleciony w prace brytyjskiego fotografa Richarda Learoyda (ur. 1966). W swoim warsztacie opracował zupełnie nową technikę fotograficzną. Wykorzystując pomieszczenie jako laboratorium fotograficzne, tworzy ogromne płótna na pozytywowym papierze fotograficznym. Światło odbijające się od obiektu jest tym samym, które świeci w twoich oczach. Jak powiedziałby Barthes, podmiot i odbiorca są połączone pępowiną zbudowaną z fotonów. Zwierciadlane odbicia Leroyda wydają się niewiarygodnie bliskie; pierwsi teoretycy fotografii nazywali takie fotografie „szaleństwem materii” lub, jak powiedział André Bazin, „halucynacją, która jest jednocześnie prawdziwa”.
Na zdjęciu „Betonowe bloki z zającem” martwe ciało zająca „trzyma” betonowe bloki w stanie półzawieszonym, reprezentując zastygłą parodię życia. Reprodukcje Leroyda, podobnie jak wielu innych współczesnych artystów, rzadko trafiają do widzów. Jego innowacyjna technika fotograficzna pozwala mu tworzyć monumentalne obrazy z niesamowicie ostrymi szczegółami, nawet przy oglądaniu z bliska. Widzów przyciągają ogromne płótna z hiperrealistycznymi obrazami. Na przedstawionym tu zdjęciu taka siła obecności, taka wiarygodność, tworzy ostry kontrast z martwym ciałem martwego zwierzęcia. Wykorzystanie przez Leroyda pozytywowego papieru fotograficznego przywodzi na myśl jedną z pierwszych form fotografii (która stała się popularna w fotografowaniu zmarłych): dagerotyp. Światło pochodzi bezpośrednio z obiektu i osiada na powierzchni dagerotypu, gdzie podobnie jak w technice Leroyda nie ma negatywu pośredniego.

Richard Learyd. „Bloczki betonowe z zającem”. 2007 rok

Film o Leroydzie i jego aparacie http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Większość prac niemieckiego mistrza Thomasa Demanda (ur. 1964) jest kopiowana ze zdjęć, w tym z wiadomości, nabierając potrójnego znaczenia: w rzeczywistości są to fotografie papierowych rzeźb fotografii oryginalnego obrazu. Zrozumienie tego prowadzi widza w dół, wzdłuż galerii luster, gdzie uwidacznia się różnica między rzeczywistością a fikcją. Popyt zaczyna się od wyboru zdjęcia, a następnie tworzy naturalnej wielkości trójwymiarową kopię papieru i kartonu, którą niszczy po zakończeniu sesji. Oryginalne zdjęcia często przedstawiają słynne wydarzenia: w swojej pracy „Polling Center” reprodukował zdjęcia Centrum Operacji Awaryjnych w Palm Beach, gdzie w 2000 roku odbyły się wybory prezydenckie. Na zdjęciu pojawia się pytanie o proces „kontemplacji papieru z dziurami przez ponad 6 tygodni, kiedy dwie lub trzysta kartek papieru w znaczący sposób wpłynęłoby na losy tego świata”. Na pierwszy rzut oka obraz na zdjęciu przypomina duże biuro. Jednak po bliższym przyjrzeniu się można zauważyć, że wszystkie telefony są takie same, powierzchnie są płaskie i to jest biuro wykonane z papieru. Papier jest zarówno tłoczonym nośnikiem obrazu, jak i przedmiotem obrazu (karty do głosowania). Naśladując subtelnie rzeczywistość, Demand stawia pytanie o wiarygodność fotografii. Czy można ufać zdjęciom? Czy to, co przedstawia, jest prawdziwe?

Thomas Demand. „Punkt wyborczy”. 2001 rok
Prace Demanda na jego stronie (nie zapominaj, że to tylko papier) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Ludzie często postrzegają fotografię jako nośnik informacji, który naprawdę oddaje kawałek świata. Praca Ori Gersht (ur. 1967) komplikuje ten pogląd, zmuszając widza do poszukiwania niespójności między fotografią a ludzkim wzrokiem. Obraz „Eksplozja” z serii „W kółko” przedstawia hiperrealistyczny obraz, który dzieli czas na drobne cząsteczki, co jest poza zasięgiem ludzkiego oka. Ujawnia też napięcie, które panuje między pięknem a okrucieństwem. Gersht przyznaje: „Interesują mnie przeciwieństwa - piękno i odrzucenie, jak moment zniszczenia podczas eksplozji bukietu staje się dla mnie momentem tworzenia”. Najpierw Gersht zamroził kwiaty ciekłym azotem, a następnie umieścił między płatkami małe wybuchowe pociski i uchwycił momenty eksplozji przy użyciu dużej prędkości aparaty cyfrowe oraz specjalnie zaprojektowane urządzenie elektroniczne, które je wyzwoliło. Bukiet kwiatów został uwieczniony w momencie wybuchu.

Ori Gersht. "Bukiet kwiatów". 2000 rok

Kolejny projekt na stronie CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Sharon Core (ur. 1965) początkowo studiowała artystkę, a później przekwalifikowała się na fotografa. Dlatego nakreśla wyraźną granicę między tymi dwoma środkami wyrazu. Wchodząc w dialog z fotorealistami, którzy malowali obrazy z fotografii, Cor tworzy fotografie z obrazów. Obraz „Jabłka” znalazł się w serii „Styl kolonialny”. Patrząc na to zdjęcie, wydaje się, że jest to tylko fotografia obrazu z epoki dawnych mistrzów. „Przedstawiam 'rzeczywistość' dziewiętnastowiecznego obrazu pod względem oświetlenia, pomysłu i skali ... aby skończyć z iluzorycznym obrazem innej epoki.” Jego inspiracją był Rafaelle Peale, autor ponad stu martwych natur powstałych w latach 1812-1824. Podczas odtwarzania kompozycji z obrazu Peale w jej pracowni Cor próbowała przekształcić trójwymiarowe obiekty w wytłaczane dwuwymiarowe powierzchnie z obrazu artystki. Jej technika wyznacza odważną granicę między fotografią a malarstwem, pozostawiając widzów zastanawiających się nad gatunkiem dzieła i rolą autentyczności.

Sharon Cor. "Jabłka". 2009 rok

Dzieło Laury Letinsky (ur. 1962) „Bez tytułu nr 23” swoim stylem przypomina starą martwą naturę, w której wyraźnie widać holenderskie i flamandzkie tradycje. Przyznaje, że jest pod wpływem dziwacznej mieszanki północnego i południowego renesansu, a jej kreacje odzwierciedlają to „niejednoznaczne, niepokojące i ciężkie” poczucie przestrzeni. Kompozycje Letińskiego prezentowane są w naturalnym świetle. Dla niej światło jest także aktorem, „niekontrolowanym ... Światło może zaskakiwać”. W większości swoich prac wykorzystuje poranne światło, ale w przypadku serii Dog and Wolf zdecydowała się na aksamitną poświatę zmierzchu i bardzo długi czas otwarcia migawki. Tytuł serialu jest aluzją do francuskiego powiedzenia o zmierzchu, czasie magii, kiedy psy zamieniają się w wilki.
Jej wielkoformatowe fotografie tworzą atmosferę namacalności i intymności, jakby wystarczyło sięgnąć po
przedmiot. „Byłem zdumiony, że Ostatnia Wieczerza to scena posiłku, w której jedzenie na stole pełni rolę dodatkowej postaci, drugoplanowej. Pomyślałem, co by się stało, gdyby główni bohaterowie zostali usunięci, a wszystko inne pozostało bez zmian ”. Jej głównym celem jest przekonanie, że fotografia pokazuje coś, czego już nie ma.
Wyrzucona skórka na wpół zjedzonej pomarańczy i porozrzucane łupiny pistacjowe - cała scena przypomina nieoczyszczony stół po obiedzie. „Fotografuję resztki jedzenia i szumowiny, aby przeanalizować związek między dojrzałością a zniszczeniem, wyrafinowaniem i niezdarnością, kontrolą i przypadkowością”. Perspektywa obrazu jest dość nietypowa: stół wygląda geometrycznie nieproporcjonalnie, a pistacje na podłodze praktycznie łączą się z muszlami na stole. Upiorna kompozycja Letinsky'ego tworzy bolesną atmosferę niepewności i braku ludzkiej obecności w przeszłości. „Zastanawiam się, co się stało 'później', co zostało ... i co odeszło na zawsze”.

Laura Letinsky. „Bez tytułu nr 23”. 2009 rok

Każdy autor ma własne podejście do martwej natury, każdy rozwiązuje własne problemy, stosując unikalne metody pozyskiwania obrazów i formy prezentacji. Ale w każdym razie we współczesnej martwej natury, jak we wszystkich współczesnych fotografiach, idea wysuwa się na pierwszy plan. W zależności od oświadczenia wybiera się zarówno metodę fotografowania (inscenizacyjną lub dokumentalną), jak i sposób prezentacji finalnego obrazu (plastyfikacja, lightboxy, autorskie fotoksiążki, obrazy uzyskane alternatywnymi metodami druku lub przy użyciu pierwszych technologii fotograficznych itp.).

Martwa natura od samego początku rozwoju fotografii zawsze była szczególnie popularna, a wszystko dlatego, że fotografowane obiekty są statyczne i nieruchome, a można z nimi eksperymentować, nie ograniczając się w czasie i pomysłach - przecież pierwsze aparaty miały bardzo długą ekspozycję, co skomplikowało zadanie fotografowania dynamicznych scen. Dziś, po prawie dwóch stuleciach, sztukę fotograficzną wciąż uzupełniają ciekawe ujęcia z różnego rodzaju przedmiotami, zaaranżowanymi w określony sposób i o określonej koncepcji. Wielu fotografów preferuje ten gatunek od wszystkich innych, ponieważ praca w nim nie zna granic.

Na pierwszy rzut oka może się wydawać, że fotografowanie statycznych obiektów w martwej naturze to sprawa prosta i szybka, ale w rzeczywistości wszystko okazuje się zupełnie inne. Trudności zaczynają się od samego początku, przy doborze niezbędnych elementów i ich ułożeniu zgodnie z wszelkimi prawami kompozycyjnymi, a kończą na ułożeniu światła i wyborze zwycięskiego kąta strzelania, które w końcu trzeba pokonać wysokiej jakości obróbką obrazu. Fotografowie spędzają na takiej pracy godziny, a nawet cały dzień, inaczej nie dostaną profesjonalnych ujęć.

Funkcje fotografowania martwej natury

Zaletą pracy z martwą naturą jest to, że nie musisz szukać jakiegoś specjalnego miejsca na kręcenie zdjęć ani góry profesjonalnego sprzętu. Nawet dom nadaje się jako miejsce: wybierz miejsce oświetlone światłem dziennym lub użyj lampy błyskowej, wybierz i zbuduj samodzielnie odpowiednie tło - i możesz fotografować.

W przeciwieństwie do fotografowania, na przykład portretów i krajobrazów, potrzebujesz znacznie mniej dodatkowych szczegółów. Ale główna różnica polega na tym, że będziesz miał tyle czasu, ile potrzebujesz na pracę, ponieważ interakcja z tematem jest znacznie łatwiejsza: możesz je zmienić, usunąć niepotrzebne, dodać nowe, wypróbować nieskończoną liczbę kątów i urzeczywistnić dowolne pomysły. Z ludźmi, których zasoby energii są ograniczone, takich możliwości w strzelaniu nie będzie.

Podczas sesji zdjęciowej ludzi, zwierząt lub krajobrazów fotografowie często muszą robić wszystko prawie w biegu, ale w przypadku obiektów nieożywionych wszystko jest inne: możesz przemyśleć każdy najmniejszy szczegół i stworzyć naprawdę doskonały obraz.

Fotografia martwa natura zawsze była doceniana między innymi w fotografii komercyjnej, więc dobre ujęcia mogą przynieść nie tylko estetyczną przyjemność, ale także spory zysk. We współczesnym świecie wydaje się coraz więcej czasopism, katalogów i innych publikacji o różnych orientacjach, w których konieczne jest zademonstrowanie szerokiej gamy przedmiotów i towarów: żywności i dań gotowych, napojów, akcesoriów, odzieży, wyposażenia wnętrz i wielu innych. Takie zdjęcia można niezależnie promować w Internecie za pomocą specjalnych giełd i innych zasobów.

Co fotografować?

Dla wielu gatunek martwej natury w fotografii wydaje się klasyczny, standardowy i przewidywalny, w którym główne miejsce w kadrze stanowią warzywa, owoce czy kwiaty. W rzeczywistości to, co sfotografować, zależy tylko od wyobraźni i preferencji. Rozejrzyj się i znajdź przedmioty, które mogą opowiedzieć twoją historię, bez względu na to, jak niezwykłe są. Przecież tutaj, jak w każdym innym gatunku, jest miejsce na oryginalność i kreatywność.

Możesz znaleźć niezwykłe lub interesujące rzeczy do fotografowania w dowolnym miejscu: na spacerze, w kawiarni i nie tylko. Zapamiętaj lub zapisz pomysł, który pojawił się w twojej głowie na widok przedmiotu, który lubisz i spróbuj wdrożyć go w swoim domu. Początkującym zaleca się zacząć od prostszych przedmiotów, omijając szkło i metal, dla których oświetlenie jest trudne. Po ćwiczeniu czegoś zrozumiałego możesz wybierać bardziej złożone kształty, łącząc obiekty ze sobą w korzystne kombinacje.

Konfiguracja oświetlenia

Zaletą fotografii martwej natury jest to, że nie jest konieczne kupowanie drogiego sprzętu oświetleniowego, jak jest to potrzebne przy zdjęciach studyjnych. Pamiętaj, że masz pełną kontrolę nad całym przepływem pracy, dzięki czemu możesz sobie radzić ze światłem przy minimalnej ilości sprzętu w domu.

Możesz używać nie tylko dowolnego sztucznego źródła światła, ale nawet naturalnego światła dziennego. W pierwszym przypadku wystarczy po prostu zasłonić światło dzienne, szczelnie zasłaniając okna roletami i zasłonami, aranżując całe światło w sztuczny sposób. W przypadku światła dziennego wystarczy wybrać najjaśniejszy punkt w pomieszczeniu, w pobliżu okna, które nie jest zasłaniane przez drzewa, budynki lub inne przeszkody.

Niektórym może się wydawać, że nie da się zrobić dobrych zdjęć zwykłymi żarówkami, ale tak nie jest. Najważniejsze to nauczyć się pracy ze sztucznymi źródłami światła, eksperymentując z ich rozmieszczeniem. Obiekt można oświetlić nie tylko z przodu, co może być dość nudne, ale także z boku, a nawet od tyłu, osiągając ciekawe efekty. Ale jeśli masz wysokiej jakości i mocne źródło naturalnego światła, nie zaniedbuj go, ale pamiętaj, aby spróbować go użyć do fotografowania obiektów: można go uzupełnić specjalnymi reflektorami światła lub połączyć z lampą.

Odbłyśnik można wykonać samodzielnie z tektury i folii.

Praca z widokami

Doskonałym pomocnikiem w fotografowaniu statycznych obiektów i martwej natury jest specjalny statyw do aparatu, który pozwala na pewne trzymanie go w pożądanej pozycji i fotografowanie kadrów nawet przy bardzo długim naświetleniu. Oprócz tego można dokupić pilota, który pozwoli obserwować strzelanie z boku.

Jak wykorzystać pełną moc statywu? Za jego pomocą można obserwować fabułę i korzystać z wielu ciekawych kątów - najważniejsze jest, aby nie zapomnieć o ich zmianie, w przeciwnym razie aparat może stać w jednej pozycji przez całą sesję zdjęciową, z której zdjęcia okażą się tego samego typu. Statyw do aparatu powinien podkreślać różnorodność kątów fotografowania i w żaden sposób nie ograniczać pomysłów. Zmień położenie aparatu, przestaw statyw w najbardziej nieoczekiwane miejsca, zmień światło i ustawienia - wszystko to pomoże stworzyć różnorodne ujęcia, które chcesz wziąć pod uwagę.

Podczas przenoszenia sprzętu należy pamiętać o tym, aby oświetlenie nie było zasłonięte.

Jakie tło fotografować?

Właściwy dobór tła martwej natury odgrywa ważną rolę w tworzeniu wysokiej jakości obrazu. Tło powinno być proste i neutralne, aby nie odciągać uwagi od tematu. Wybierając tło, pozostań na jednolitej ścianie, a jeśli jej nie ma, użyj białego kartonu lub innego odpowiedniego koloru. Można też zastosować lekki i dyskretny wzór, ale tylko wtedy, gdy nie odstaje on zbytnio, łamiąc harmonię obrazu.

Wybierając odcień tła, zwróć uwagę na to, jak oddziałuje on na fotografowane obiekty. Możesz wybrać neutralny biały kolor lub bardziej złożony odcień, który uzupełni obraz.

Jeśli fotografujesz małe obiekty, tło może nie być potrzebne. Po prostu wybierz powierzchnię, na której umieścisz żądany przedmiot. Popularną opcją w tym przypadku jest tkanina z czarnego aksamitu, która dobrze wchłania kolor i wygląda równomiernie.

Zasady kompozycyjne

Jak w przypadku każdego innego rodzaju fotografii, kompozycja zdjęcia odgrywa ważną rolę w martwej naturze. To ona w dużej mierze decyduje o tym, czy obraz się okaże, czy nie. Odpowiednio dobrana kompozycja sprawi, że Twoja praca będzie wyjątkowa, interesująca dla widza i bardzo zapadająca w pamięć.

Najważniejszą zasadą, którą zna każdy fotograf, jest zasada trójpodziału. Postępuj zgodnie z nim, a otrzymasz przyjemne dla oka zdjęcia. Nie zapominaj też, że kadr powinien być skomponowany w taki sposób, aby nie było rozpraszających szczegółów od istoty, a tylko wszystko, czego potrzebujesz: wybierz główny temat i tło.

Użyj swojej wyobraźni, aby tworzyć piękne zdjęcia i nie bój się niestandardowe rozwiązania... Zastanów się, gdzie patrzy widz oglądając zdjęcie, jak wykorzystana jest pusta przestrzeń ramki i czy warto ją wypełnić. Trzeba wykonać dużo pracy i zrozumieć, jak przedstawić fotografowany obiekt w jak najlepszym świetle, ukazując nie tylko jego piękno, ale także oddając znaczenie nadane pracy. Tak, musisz popracować również nad kontekstem: musisz zdecydować, czy obiekt będzie dobrze wyglądał samodzielnie, czy warto dopisać do niego dodatkowe szczegóły. Dopiero po przejrzeniu wszystkich powyższych punktów będziesz w stanie stworzyć idealną ramę z kompozycyjnego punktu widzenia.

Błędy w fotografii martwej natury

Każdy fotograf, który dopiero zaczyna swoją przygodę z fotografowaniem statycznych obiektów i martwej natury, napotyka w przybliżeniu ten sam zestaw błędów, co reszta. Nie denerwuj się, jeśli na początku napotkasz trudności, ponieważ uczą nas prawidłowego zrozumienia procesu fotografowania i pracy ze wszystkimi subtelnościami i niuansami fotografowania martwej natury. Warto przeanalizować najczęstsze przyczyny, dla których popełniane są błędy i niedociągnięcia.

1. Za mało praktyki ... Wszystkie umiejętności i doświadczenie zdobywamy dopiero w trakcie kręcenia, więc trzeba jak najczęściej i często trenować i wypełniać swoje ręce. Fotografując w wolnym czasie szybko nauczysz się, jak ustawić odpowiednie ustawienia aparatu i pracować z wieloma parametrami. Obejmuje to również pracę z kompozycją: im więcej eksperymentujesz, tym szybciej zaczniesz rozumieć zasady kompozycji i wizji.
2. Niepracowany pomysł ... Wszystko zaczyna się od pomysłu, a dopiero po uformowaniu jasnego pomysłu na przyszłe zdjęcie wybiera się do niego przedmioty i detale, a także tło. Bardzo ważny jest przekaz artystyczny i jego znaczenie, bez nich cały proces kręcenia „czegoś” zakończy się niepowodzeniem.
3. Słaba wydajność oświetlenia ... Musisz wyraźnie zobaczyć, że nie ma nadmiaru ani braku światła, w przeciwnym razie każdy, nawet najbardziej oryginalny i kreatywny pomysł zostanie zrujnowany. Możesz używać światła dziennego, specjalnych zewnętrznych lamp błyskowych, lamp, a nawet świec - o ile obiekt jest prawidłowo oświetlony. Pamiętaj, że praca z reflektorami poprawi wynik, więc staraj się nie używać bezpośredniego światła.
4. Praca ze złożonym sprzętem ... Początkujący i każdy inny fotograf nie musi gonić za drogim sprzętem - dobre zdjęcia z martwą naturą uzyskuje się nawet przy minimalnych kosztach. Jakość obrazu zależy od umiejętności, a nie od tego, ile pieniędzy zainwestowano w pracę.
5. Nieprzestrzeganie integralności stylu ... Zawsze możesz eksperymentować z kolorami, kombinacjami obiektów, teksturami i teksturami, kształtami. Ale nie należy próbować wciskać w obraz przedmiotu, który absolutnie nie pasuje do kompozycji pod względem stylu, epoki lub innych oczywistych parametrów.
6. Błędy wyboru tła ... Tło zdjęcia to wcale nie drobiazg, ale szczegół, który może łatwo „zabić” fotografię, uczynić ją brzydką, a nawet odrażającą. Podejdź ze szczególną ostrożnością przy wyborze tła dla martwej natury: jeśli w żaden sposób nie figuruje w pomyśle i kompozycji, wybierz neutralne odcienie, które nie zwrócą na siebie uwagi. Na przykład możesz wybrać biel z prostą teksturą.

Najważniejszą rzeczą, którą musisz wiedzieć o udanej i wysokiej jakości fotografii martwej natury, jest ciągłe fotografowanie, wypełnianie dłoni przy każdej okazji, a nawet na dowolnych przedmiotach, a wtedy możesz osiągnąć dobre wyniki w tym rzemiośle, a nawet zacząć na tym zarabiać.