Jakie rodzaje malarstwa artystycznego są przedstawione na rysunkach. Rodzaje obrazów dekoracyjnych w rosyjskim życiu ludowym

Malowanie Mezen na drewnie czyli malowanie palashchelskaya - rodzaj malowania przyborów domowych - kołowrotków, kadzi, pudełek, braci, powstałych na początku 19 wiek w dolnym biegu rzeki Mezen.

Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych rosyjskich rzemiosł artystycznych. Jego początki giną w odległych wiekach początkowego formowania się plemion słowiańskich.

Przedmioty są gęsto nakrapiane wzorem ułamkowym - gwiazdy, krzyżyki, kreski, wykonane w dwóch kolorach: czarnym - sadza i czerwonym - "farba ziemia", ochra. Główne motywy ornamentu geometrycznego – tarcze słoneczne, romby, krzyże – przypominają podobne elementy rzeźby trójściennej.

Wśród ornamentów znajdują się fryzy ze stylizowanymi schematycznymi przedstawieniami koni i jeleni, które zaczynają się i kończą na obrzeżach obiektu. Wykonane w czerni i czerwieni figurki zwierząt wydają się wyłaniać z geometrycznego ornamentu. Wszystkie obrazy są bardzo statyczne i dopiero poprzez wielokrotne powtarzanie powstaje poczucie dynamiki.

Obrazy na odwrocie kołowrotka były mniej nasycone ornamentami, bardziej swobodne w fabule. Tutaj można zobaczyć sceny rodzajowe napisane w dziecinnie naiwny sposób: polowanie, parowiec, te same konie, tylko igraszki w dziczy.

Gotowy produkt malowano na czystym, niezagruntowanym drewnie najpierw ochrą za pomocą nasączonego na końcu drewnianego patyczka (imadła), następnie wykonywano czarny kontur piórem głuszca lub cietrzewia, a wzór nakładano pędzlem wykonanym z ludzkiego włosy.

Malowany przedmiot został pokryty schnącym olejem, który uchronił farbę przed smazaniem i nadał produktowi złoty kolor.

Malowanie gorodetów- Rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Istnieje od połowy XIX wieku na terenie miasta Gorodec. Jasne, lakoniczne malarstwo Gorodets (sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, motywy kwiatowe), wykonane swobodnym pociągnięciem pędzla z biało-czarnymi graficznymi pociągnięciami, zdobione kołowrotki, meble, okiennice i drzwi.

Malarstwo gorodeckie wywodzi się z rzeźbionych kołowrotków gorodetowych, które miały swoją osobliwość: grzebień i spód. Do ozdabiania Doniec rzemieślnicy z Gorodec zastosowali osobliwą technikę - intarsję: figurki wycięto z drewna innej rasy i wstawiono we wnękę o odpowiednim kształcie. Wstawki z ciemnego dębu bagiennego wyróżniają się płaskorzeźbą na jasnej powierzchni dna. Dzięki temu, mając tylko dwa odcienie drewna i proste narzędzie, rzemieślnicy zamienili powierzchnię dolnej deski w prawdziwy obraz.

Później mistrzowie zaczęli używać barwienia dla subtelnego bogactwa, jasne połączenie żółtego z ciemnym dębem, dodanie niebieskich, zielonych, czerwonych kolorów sprawiło, że spód stał się jeszcze bardziej elegancki i kolorowy.

Konieczność zwiększenia produkcji spodni przędzalniczych skłoniła mistrzów do uproszczenia techniki projektowania dekoracyjnego. Od drugiej połowy XIX wieku skomplikowaną i pracochłonną technikę intarsji zaczęto zastępować prostą rzeźbą z podcieniem, a od lat 70. XIX wieku na Donieckim Gorodeckim dominuje malowniczy sposób dekoracji.

W obrazach Niżnego Nowogrodu można wyróżnić dwa rodzaje - obrazy Pawłowska i Gorodec, które służyły do ​​ozdabiania skrzyń, łuków, sań, mebli dziecięcych, kołowrotków i wielu drobnych artykułów gospodarstwa domowego. Styl Gorodets wyróżnia się przede wszystkim treścią. Na muralach główne wrażenie robią sceny rodzajowe. Wszystkie te obrazy mają charakter warunkowy, są bardzo swobodne i dekoracyjne w formie, a niekiedy ocierają się o karykaturę. To jest życie chłopstwa, kupców, wspaniała parada kostiumów. Znaczące miejsce zajmują motywy roślinne - bujne "róże", malowane szeroko i dekoracyjnie. Oprócz motywów gatunkowych realistycznych, na fototapetach Gorodets żyją wyidealizowane, dekoracyjne wizerunki ptaków i zwierząt.

Są egzotyczne lwy i lamparty. Szczególnie często wizerunek gorącego, silnego konia lub koguta w dumnej, wojowniczej pozie. Najczęściej są to obrazy sparowane, heraldycznie zwrócone do siebie. Mistrzowie malarstwa Gorodets kochają kwiaty. Są porozrzucane wszędzie na polu obrazów z wesołymi girlandami i bukietami. Tam, gdzie fabuła na to pozwala, mistrzowie chętnie sięgają po motyw wspaniałej zasłony, spiętej sznurkiem z frędzlami. Dekoracyjność motywów podkreśla dekoracyjność koloru i techniki. Ulubione tła to jasnozielone lub intensywnie czerwone, ciemnoniebieskie, czasem czarne, na które szczególnie soczyście rozpryskuje się wielobarwny kolor Gorodetsky.

Malowanie odbywa się pędzlem, bez wstępnego rysunku, swobodnym i soczystym pociągnięciem. Jest bardzo zróżnicowana – od szerokiej kreski po najcieńszą kreskę i wirtuozowską kreskę. Praca mistrza jest szybka i ekonomiczna. Dlatego jest bardzo uogólniony, prosty w technice, swobodny w ruchu pędzla.

Malarstwo Zhostovo- rzemiosło ludowe malarstwo artystyczne metalowe tace, istniejące we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski.

Historia Zhostova i rzemiosła Zhostovo sięga początku XIX wieku, kiedy w wielu wsiach pod Moskwą i wsiach dawnej wołoszczyzny Troitskaya (obecnie okręg Mytishchi obwodu moskiewskiego) - Zhostovo, Ostashkovo, Chlebnikov, Troitskoye i inni - były warsztaty do produkcji malowanych wyrobów lakierniczych z papier-mache .

Pojawienie się malowanej tacy Zhostovo wiąże się z imieniem braci Vishnyakov. Cennik Wiszniakowów brzmiał: „Od 1825 r. istnieje zakład braci Wiszniakow z lakierowanymi metalowymi tacami, herbatnikami, paletami, pudłami z masy papierowej, papierośnicami, tackami na herbatę, albumami itp.”

W 1830 r. wzrosła produkcja tac w okolicznych wsiach. Pojawiły się pierwsze metalowe tace, ozdobione dekoracyjnym malowaniem kwiatów. Żelazne tace stopniowo zastępowały tabakierki i inne „papierowe” wyroby z warsztatów volostów Trójcy. Korzystne położenie w pobliżu stolicy zapewniało rybołówstwu stały rynek zbytu i pozwalało obejść się bez pośrednictwa kupujących. W Moskwie zakupiono również wszystkie materiały niezbędne do produkcji. Głównym motywem malarstwa Zhostovo jest bukiet kwiatów.

W oryginalnej sztuce mistrzów Zhostovo realistyczne odczucie żywej formy kwiatów i owoców łączy się z dekoracyjnym uogólnieniem, podobnym do rosyjskiego ludowego malarstwa pędzlem na skrzyniach, brzozowej kory, kołowrotków itp.

W 1922 r. w wiosce Nowoselcewo powstał Nowoselcewo Labour Artel do produkcji lakierowanych tac żelaznych; w 1924 r. we wsiach zorganizowano „Zhostovo artel pracy” i „Spetskustar”; w 1925 - "Lakier" i jednocześnie we wsi Troitskoye - artel "Praca własna" do malowania tac. Wszystkie zostały zjednoczone w 1928 r. w wyspecjalizowany artel „Metalpodnos” we wsi.

Lata 20. - 30. XX wieku nie były łatwymi latami w historii Zhostova. Wspólne dla sztuki sowieckiej trendy prostego twierdzenia o nowoczesności i realizmie doprowadziły do ​​tego, że organizacje zajmujące się rzemiosłem ludowym próbowały zmienić tradycyjny kierunek ich rozwoju i wprowadziły do ​​malarstwa Zhostovo próbki kompozycji ornamentalnych i tematycznych tworzonych przez profesjonalnych artystów bez uwzględniania specyfiki sztuki lokalnej i noszącej cechy sztuki sztalugowej i naturalizmu. Czołowi artyści rozumieli obcość takich innowacji dla samej istoty sztuki ludowej, potrafili się im oprzeć i ukierunkować nowe idee na pogłębianie tradycyjnego rzemiosła. Rozpoczęły się lata 60. Nowa scena w historii Zhostova, trwającej do dziś.

Artystyczne malowanie tac zdobywało coraz większy prestiż i popularność nie tylko masowymi wyrobami, ale także unikatowymi dziełami czołowych mistrzów, które coraz częściej przyciągały uwagę na licznych wystawach w kraju i za granicą. W ciągu swojej historii tace Zhostovo z przedmiotów gospodarstwa domowego stały się samodzielnymi panelami dekoracyjnymi, a rzemiosło, które służyło niegdyś jako pomoc dla rolnictwa, zyskało status unikalnego rodzaju rosyjskiej sztuki ludowej.

Dziś rośnie popularność malarstwa dekoracyjnego. Zhostovo jest naśladowane, próbując naśladować styl, a nawet maniery autora artystów.

Malowanie odbywa się zwykle na czarnym tle (czasem na czerwonym, niebieskim, zielonym, srebrnym), a mistrz pracuje na kilku tacach jednocześnie. Motywem przewodnim obrazu jest bukiet kwiatowy o prostej kompozycji, w którym przeplatają się duży ogród i małe polne kwiaty.

Celowo tace są podzielone na dwie grupy: do celów domowych (do samowarów, do serwowania żywności) i jako dekoracja. Kształty tac są okrągłe, ośmiokątne, łączone, prostokątne, owalne itp.

Khokhloma- stare rosyjskie rzemiosło ludowe, urodzone w XVII wieku w powiecie Niżnym Nowogrodzie.

Khokhloma to dekoracyjny obraz drewnianych przyborów i mebli, wykonany w odcieniach czerwieni, zieleni i czerni na złotym tle. Podczas malowania drzewa na drzewo nakłada się nie złoty, ale srebrzysty proszek cyny. Następnie produkt jest pokryty specjalną kompozycją i trzy- lub czterokrotnie przetwarzany w piekarniku, który uzyskuje miodowo-złoty kolor, dając efekt masywności lekkim drewnianym przyborom.

Obraz wygląda jasno, choć tło jest czarne. Użyte farby: czerwone, żółte, złote, pomarańczowe, zielone, niebieskie i czarne tło. Tradycyjnymi elementami Khokhloma są czerwone, soczyste jagody jarzębiny i truskawek, kwiaty i gałęzie. Często zdarzają się ptaki, ryby i zwierzęta.

Uważa się, że malarstwo Khokhloma powstało w XVII wieku na lewym brzegu Wołgi, we wsiach Duża i Mała Bezdel, Mokushino, Shabashi, Glibino, Khryashchi. Wieś Khokhloma była głównym centrum handlowym, do którego przywieźli wyroby gotowe, stąd nazwa obrazu. Obecnie wieś Kovernino w regionie Niżny Nowogród jest uważana za miejsce narodzin Khokhloma.

Do chwili obecnej istnieje wiele wersji pochodzenia malarstwa Khokhloma.

Według najpopularniejszej wersji, unikalny sposób malowania drewnianych naczyń „pod złotem” w leśnym regionie Trans-Wołgi i same narodziny rzemiosła Khokhloma przypisywano Staroobrzędowcy.

Już w starożytności wśród mieszkańców okolicznych wsi, bezpiecznie schronionych w puszczy, było wielu „przecieków”, czyli ludzi uciekających przed prześladowaniami za „starą wiarę”.

Wśród staroobrzędowców, którzy przenieśli się do ziemi Niżnego Nowogrodu, było wielu malarzy ikon, mistrzów miniatur książkowych. Przywieźli ze sobą starożytne ikony i ręcznie pisane księgi z kolorowymi nakryciami głowy, znakomitymi umiejętnościami malarskimi, darmową kaligrafią pędzla i próbkami najbogatszego ornamentu roślinnego.

Z kolei miejscowi rzemieślnicy znakomicie opanowali umiejętności toczenia, przekazywane z pokolenia na pokolenie umiejętności wykonywania form naczyń, sztuki rzeźbienia trójwymiarowego. Na przełomie XVII-XVIII wieku las Trans-Wołga stał się prawdziwą skarbnicą sztuki. Sztuka Khokhloma odziedziczyła po mistrzach Trans-Wołgi „klasyczne formy” toczenia przyborów, plastyczność rzeźbionych form kadzi, łyżek i malarzy ikon - kulturę obrazkową, umiejętność „cienkiego pędzla”. I nie mniej ważny sekret robienia „złotych” naczyń bez użycia złota.

Obecnie malarstwo Khokhloma ma dwa centra - miasto Siemionow, gdzie znajdują się fabryki Khokhloma Painting i Semenov Painting, oraz wieś Semino, rejon Koverninsky, gdzie działa przedsiębiorstwo Khokhloma Artist, zrzeszające rzemieślników ze wsi okręgu Koverninsky: Semino, Kuligino, Novopokrovskoye itp. (fabryka znajduje się we wsi Semino). W chwili obecnej działalność przedsiębiorstwa jest zredukowana prawie do zera. W miejscowości Semino znajduje się również przedsiębiorstwo zajmujące się produkcją drewniane pudełka z malarstwem Khokhloma (Promysel LLC).

Jak powstają produkty z malarstwem Khokhloma? Najpierw biją wiadra, to znaczy robią surowe drewniane półfabrykaty. Wtedy mistrz wstaje za tokarka, usuwa nadmiar drewna za pomocą noża i stopniowo nadaje obrabianemu przedmiotowi pożądany kształt. W ten sposób uzyskuje się podstawę - „len” (produkty niepomalowane) - rzeźbione chochle i łyżki, zapasy i kubki.

Po wyschnięciu „len” jest zagruntowany płynną oczyszczoną gliną - vapa, jak nazywają to mistrzowie. Po zagruntowaniu produkt jest suszony przez 7-8 godzin i musi być ręcznie pokryty kilkoma warstwami oleju schnącego (olej lniany). Rzemieślnik zanurza specjalny tampon ze skóry owczej lub cielęcej wywróconej na lewą stronę do miski z suszącym olejem, a następnie szybko wciera go w powierzchnię produktu, obracając tak, aby olej schnący został równomiernie rozprowadzony. Ta operacja jest bardzo odpowiedzialna. Od tego w przyszłości zależeć będzie jakość drewnianych przyborów, siła malarstwa. W ciągu dnia produkt zostanie pokryty olejem schnącym 3-4 razy. Ostatnia warstwa zostanie wyschnięta do „lekkiego dotyku” - gdy schnący olej lekko przyklei się do palca, nie plami go już.

Kolejnym etapem jest „cynowanie”, czyli wcieranie proszku aluminiowego w powierzchnię produktu. Wykonywany jest również ręcznie wymazem z owczej skóry. Po cynowaniu przedmioty nabierają pięknego białego, lustrzanego połysku i są gotowe do malowania. W malowaniu stosuje się farby olejne. Głównymi kolorami, które decydują o charakterze i rozpoznawalności malarstwa Khokhloma są czerwień i czerń (cynober i sadza), ale także inne mogą ożywić wzór - brąz, jasna zieleń, żółta tonacja.

Wyróżnia się obraz „konia” (gdy rysunek jest nałożony na pomalowane srebrne tło (kriul jest główną linią kompozycji, elementy takie jak turzyce, kropelki, czułki, loki itp.) „Posadzone” na nim na czerwono i czarnym) oraz „pod tłem” (najpierw obrysuj kontur ornament , a następnie tło wypełnia się czarną farbą, rysunek liścia lub kwiatu pozostaje złoty). Ponadto istnieją różne rodzaje ozdób:

• „Piernik” - zwykle wewnątrz kubka lub naczynia, figura geometryczna - kwadrat lub romb - ozdobiona trawą, jagodami, kwiatami;
• „trawa” - wzór dużych i małych źdźbeł trawy;
• „kudrina” - liście i kwiaty w postaci złotych loków na czerwonym lub czarnym tle.

Wykorzystywane są wzorce i uproszczone ozdoby. Na przykład „drobinę”, którą nakłada się stemplem wyciętym z płytek grzyba przeciwdeszczowego lub za pomocą kawałka tkaniny złożonego w specjalny sposób. Wszystkie produkty są malowane ręcznie, a malowanie nigdzie się nie powtarza. Bez względu na to, jak wyrazisty jest obraz, dopóki wzór lub tło pozostają srebrzyste, nie jest to jeszcze prawdziwa „Khokhloma”.

Malowane produkty pokrywa się specjalnym lakierem 4-5 razy, a na koniec utwardza ​​się przez 3-4 godziny w piecu w temperaturze +150...+160°C do powstania złotej warstwy olejowo-lakierowej. W ten sposób uzyskuje się słynną „złotą Khokhloma”.

Będziesz także zainteresowany:

Rosyjskie przybory drewniane: łyżki, chochle, malarstwo Khokhloma

Robiło się ciemno. Na stole lśniący, syczący wieczorem samowar

Rosyjska herbata. Pomniki SAMOVARU! (kontynuacja tematu)

Jakie rodzaje rosyjskiego ludowego malarstwa dekoracyjnego możesz wymienić?
Prawie każdy pamięta obraz Khokhloma. Jest jasny, piękny, a produkty malowane pod Khokhloma można spotkać najczęściej.

Gigantyczne gniazdujące lalki z różnymi rodzajami malowania

Ale to nie wszystko! Nasza rosyjska kultura ludowa jest z pewnością bardzo bogata.
Proponuję obejrzeć serię programów telewizyjnych stworzonych przez kanał telewizyjny Zagorodnaya Zhizn, z których każda seria poświęcona jest określonemu rodzajowi malarstwa.

Malarstwo Kamy.
Rzemieślnicy, pracujący w malowniczym stylu malarstwa Kama, umieścili na drzwiach i ścianach domu, na meblach, wizerunki bajecznych ptaków i zwierząt, roślin kwitnących i owocujących. Subtelnie wyczuwali i trafnie wyrażali w swoich pracach poetycki i bajeczny światopogląd permskich chłopów, którzy przez długi czas zachowali archaiczne rysy w życiu codziennym.

Malarstwo piżmowe.
Jeden z najstarszych obrazów na północy Rosji. Północna rzeka Peczora i jej dopływy Tsilma, Piżma i inne to miejsca, w których na przełomie XIX i XX wieku. istniał mały ośrodek malarstwa graficznego. Staroobrzędowcy, którzy tu uciekli, zajmowali się przepisywaniem ksiąg świeckich i religijnych, które dekorowali nakryciami głowy, inicjałami i rysunkami.

Malarstwo Mezen.
Jedno z najstarszych rosyjskich rzemiosł artystycznych. Jego początki giną w odległych wiekach. Rybołówstwo osiągnęło szczyt popularności w XIX wieku. Kołowrotki i pudła Mezen były szeroko dystrybuowane wzdłuż rzeki Pinega, eksportowane do Peczory, Dźwiny i Onegi. Stylizacja rysunku, lapidarność i wyrazistość obrazu zbliżają je do starożytnych malowideł naskalnych rosyjskiej północy. Mezen nie ma zwykłej rosyjskiej jasności ludowej, wielokolorowej.

Malowanie gorodetów.
Rzemiosło ludowe regionu Niżny Nowogród. Powstał w drugiej połowie XIX wieku we wsiach nadwołżańskich w pobliżu Gorodec.
Malowanie gorodetów jest osobliwe w swojej manierze, więc dość trudno je pomylić. Żaden produkt Gorodets nie jest kompletny bez bujnych girland, bukietów kwiatów. Fabuły wyrobów Gorodets miały swoistą, niepowtarzalną fabułę, spacery dżentelmenów z damami, jeźdźców na koniach, sceny picia herbaty w bogatych wnętrzach.

Malarstwo Zhostovo to ludowe rzemiosło artystycznego malowania metalowych tac, istniejące we wsi Zhostovo, powiat Mytishchi, obwód moskiewski. Przemysł powstał w połowie XVIII wieku. na Uralu, gdzie znajdowały się zakłady metalurgiczne Demidowów.

Przez ponad dwieście lat historii w manufakturze szali rozwinęła się wyjątkowa szkoła rysowania szalami Pavlovo Posad.

Gzhel jest jednym z tradycyjnych rosyjskich ośrodków produkcji ceramiki.

Od czasów starożytnych ludzie zwracali uwagę na piękno przyrody. Chęć udekorowania swojego prymitywnego życia i uczynienia go przytulnym doprowadziła do tego, że zaczęli ozdabiać mieszkanie różnymi naturalnymi elementami. Była to skóra zwierzęcia pod stopami, rysunki na ścianie, kolorowe kamienie, lśniący metal i wiele więcej. Wieki później zaczęto malować talerze, łyżki, miski. Każdy region ma swoje własne potrawy.

Rodzaje stylów

Umiejętność dekorowania własnych domów powstała niemal równocześnie z rozwojem kultury ludzi i ma swoje charakterystyczne cechy charakterystyczne dla poszczególnych obszarów:

• Malarstwo Khokhloma;
• gorodety;
• Zhostovo;
• Gżel.

Wyobraźnia naszych przodków nie znała granic, ale różnice w rysunkach są nadal oczywiste. Każdy obszar ma osobliwy ornament i pismo odręczne.

Pojawienie się malarstwa Khokhloma

W pobliżu starych lasów Wołgi w pobliżu rzeki Uzola znajdują się rosyjskie wsie - Chryashchi, Kuligino, Semino, Novopokrovskoye, Khokhloma. Stąd pochodzą wyroby, malowane różnymi złoconymi wzorami.

Niestety nie jest możliwe dokładne ustalenie początku pojawienia się malarstwa Khokhloma. W końcu wszystkie naczynia były wykonane z drewna, szybko się zużywały, wyrzucano lub wrzucano do piekarnika, jak zwykłą kłodę.

Do naszych czasów przetrwały produkty z XIX wieku. Ale sądząc po dokumentach historycznych, rzemiosło powstało w XVII wieku.

Unikalna technika Khokhloma - malowanie czarną farbą i cynobrem odbywa się na złotej podstawie - znajduje się w starożytnej sztuce rosyjskiej.

Cechy malarstwa Khokhloma

Mistrzowie mają swój sekret, jak „złocić” przybory kuchenne. Do naszych czasów przetrwał prosty sposób na pokrycie naczyń złotem:

• naczynia zostały dokładnie przetarte proszkiem cynowym;
• pokryty olejem schnącym;
• podgrzewany w piekarniku;
• pod wpływem wysokiej temperatury olej schnący żółknie, widać przez niego cynę, uzyskano efekt złota.

Uważa się, że ta metoda malowania naczyń należy do staroobrzędowców. Wcześniej w odległych wioskach było wielu uciekinierów, którzy byli prześladowani za „starą wiarę”. Wśród nich byli mistrzowie malowania ikon i miniatur książkowych.

Wzory Khokhloma

Niedrogie naczynia do codziennego użytku można od razu rozpoznać. Wykonano go specjalnymi stemplami z grzyba przeciwdeszczowego lub filcowego kawałka tkaniny, wzory okazały się elementarne, ale nie straciły na urodzie. Na takich produktach widoczne są liczne romby, spirale i liście.

Droższe naczynia malowano umiejętnie. Kompozycje zostały stworzone ręcznie pędzlem. Tutaj jest znacznie więcej pracy. Mistrzowie narysowali:

• jagody (maliny, truskawki, jarzębina);
• kwiaty (chabry, koniczyna, fiołki).

Tak powstały malowane łyżki, talerze, kubki i wiele innych.

Główne kolory charakterystyczne dla malarstwa Khokhloma to czerwień (cynober) i czerń (sadza). Ale aby rysunek ożył i rozkwitł, do produktów dodano odcienie brązu, zieleni, niebieskiego, pomarańczowego i żółtego.

Rodzaje malowania

Stopniowo produkty Khokhloma stawały się pamiątkowymi prezentami lub ozdobami z przedmiotów gospodarstwa domowego, i to nie tanich.

Istnieją główne rodzaje naczyń malarskich:

1. "Koń" - główna kompozycja - kriul - nakłada się na srebrzyste tło. Ponadto dodaje się do niego kropelki, czułki, loki w kolorze czerwonym i czarnym.
2. „Pod tłem” - na początku rysuje się sylwetka ornamentu, a tło wypełnione jest czarną farbą.

Na naczyniach mogą znajdować się różnego rodzaju ozdoby:

• „Trawa” - nacisk kładzie się na rysowanie małych i dużych źdźbeł trawy.
• „Piernik” - wewnątrz arcydzieła znajduje się namalowana figura geometryczna. Może to być romb, kwadrat, koło. Malowany jest jagodami, kwiatami i trawą.
• "Kudrina" - wzór nakładany na czerwoną lub czarną bazę w postaci złotych liści i kwiatów w formie loków.

Khokhloma to niesamowite dzieło sztuki, mimo ciemnej kolorystyki emanuje z niej ciepło i radość.

Historia malarstwa Zhostovo

Kolejnym znanym rodzajem naczyń malarskich jest to, że słynie z tego, że od prawie dwóch wieków zdobią jedno - jest to taca. Wieś Zhostovo znajduje się w dzielnicy Mytishchensky pod Moskwą.

W XVIII wieku na Uralu, gdzie zbudowano zakłady metalurgiczne Demidowów (Niżny Tagil, Wierch-Nejwinsk, Niewiańsk), powstało rzemiosło - malowane metalowe tace.

Narodziny takiego statku pod Moskwą były spowodowane kilkoma ważnymi czynnikami:

• Rosyjski rzemieślnik pańszczyźniany Chudojarow odkrył przepis na „kryształowy” lakier, który nie pękał na miedzi, drewnie i żelazie.
• Rozpoczęcie produkcji w St. Petersburgu o nietypowym kształcie tac z ciekawymi rysunkami.
• Otwarcie warsztatów F. N. Wiszniakowa w Żhostowie w latach 20. XIX wieku. Produkowano tu malowane wyroby z masy papierowej: tace, szkatułki, tabakierki, pudełka, znaczki.

Produkty zostały wykonane w wioskach pod Moskwą - Troitsky, Novoseltsevo, Ostashkov. Tylko we wsi Zhostovo były 22 warsztaty, obiekty były bardzo piękne. Przedstawiały pejzaże, zimowe trojki koni, letnie spacery, herbatki przy stole. Niestety, te gadżety okazały się kruche i niepraktyczne.

Wygląd tac żelaznych Zhostovo

Osip, syn Filipa Wiszniakowa, postanowił nie robić już papier-mâché, ale zajął się produkcją tac żelaznych. Wraz ze wzrostem zapotrzebowania na tace. Wykorzystywano je zarówno do dekoracji wnętrz, jak i zgodnie z ich przeznaczeniem. Tace Zhostovo były widziane w zakładach pitnych, słynnych moskiewskich herbaciarniach, tawernach, hotelach i domach kupieckich. Kolekcje królów hiszpańskich i brytyjskich mogą pochwalić się posiadaniem tac Zhostovo.

Popyt tworzy podaż, aw 1960 roku powstała fabryka malarska Zhostovo.

Sekrety mistrzostwa

Obserwując długi i żmudny proces, można zobaczyć, jak rzemieślnicy wciąż obserwują starą technikę wykonania.

• Zamalewok. Podstawa przyszłego wzoru. Szkice przyszłego rysunku wykonuje się na przygotowanej płaszczyźnie rozcieńczoną farbą.
• Tania. Kolorowe cienie nakłada się farbami półprzezroczystymi. Powstaje widoczna objętość kwiatów i pojawiają się zacienione obszary roślin.
• Kolorowa podszewka. To najważniejszy etap malowania warstwa po warstwie Zhostovo. Powstaje wygląd bukietu, cała kompozycja zostaje rozjaśniona lub przyciemniona, ustalane są ważne drobne szczegóły.
• Blask. Dzięki temu działaniu pojawia się objętość i światło, dobrze oddaje połączenie cech i nastroju.
• Rysunek. Ostatnia część obrazu. Artysta ręcznie nanosi drobne, ale znaczące detale.
• Wiążący. Bukiet niejako rozchodzi się pod tłem produktu. Cienkie łodygi i wąsy magicznie tworzą jedną całość i łączą się z tłem.
• Czyszczenie krawędzi tacy. Bok tacki ozdobiony jest różnego rodzaju wzorami. Bez tego praca będzie wydawała się niedokończona.
• Lustrzany połysk. Przy pomocy pudru kredowego tackę naciera się dłońmi do połysku, a następnie naciera parafiną, dzięki czemu produkt nabłyszcza jeszcze bardziej.

Tace Zhostovo istnieją od wielu lat, ale żadna z nich nie jest taka sama.

Funkcje malowania

Tło jest zwykle wybierane w kolorze czarnym, w rzadkich przypadkach w kolorze czerwonym, niebieskim lub zielonym. Artysta maluje kilka tac na raz.

Głównym kierunkiem jest bukiet kwiatów, w którym na przemian rysowane są małe polne kwiaty i duże kwiaty ogrodowe.

Wzory rysuje się złotym proszkiem rozcieńczonym lakierem bezbarwnym lub terpentyną lub gulfabrą - białą farbą zmieszaną z lakierem, posypana proszkiem aluminiowym.

Pod względem wartości tace dzielą się na dwie grupy: do dekoracji wnętrz i do celów domowych.

Malowanie gorodetów

Odnosi się do jednego z rosyjskich rodzajów naczyń malarskich. Malarstwo Gorodets pochodzi z XIX wieku w pobliżu miasta Gorodets w regionie Niżnegorsky Trans-Wołga, na lewym brzegu Wołgi. To starożytne rosyjskie miasto-twierdza. Wszystko zaczęło się od kołowrotka z dnem i grzebieniem.

Powozy, panie, jeźdźcy, żołnierze, psy - wszystko to zdobiło spód kołowrotków. Figurki wycięto z drewna innej rasy i włożono do odpowiedniego otworu.

Malarstwo gorodetowe rozwijało się przez 50 lat. Pomalowano wózki dziecięce, krzesełka, pudełka. Szczyt rozwoju rybołówstwa nastąpił w 1990 roku.

Motywy malarskie

Najczęstszymi elementami malarstwa Gorodets są kwiaty i zwierzęta. Z takich obrazów emanuje wygoda i spokój.

Malowane łyżki, meble i naczynia w radosnym stylu Gorodets odświeżyły i ożywiły wnętrze.

Malowanie kwiatów w wykonaniu jest najprostsze. Istnieje kilka rodzajów ozdób:

• „Bukiet” – aplikowany symetrycznie, obecny głównie na naczyniach lub deskach do krojenia.
• „Wianek” - jeden lub dwa kwiaty znajdują się pośrodku, mniejsze kwiaty i liście rozchodzą się z nich we wszystkich kierunkach. Tym wzorem pomalowane są pojemniki na chleb, naczynia, szkatułki.
• „Romb” - rodzaj girlandy. W środku znajduje się kwiat lub kilka, a liście i pąki zmniejszają się, gdy zbliżają się do wierzchołków rombu. I znajdują się na wyimaginowanych krawędziach postaci. Takimi obrazami ozdobiono skrzynie, ławki, szafki.
• "Kwiatowa naszywka" - pozostała od czasów kołowrotków. Jest to powtarzający się wzór wstążki kwiatów tej samej wielkości, rozcieńczony liśćmi. Udekoruj przedmioty masowe.
• „Wianek” - podobny do „paska kwiatowego”. Różnica polega na tym, że zamyka się wokół krawędzi pokrywki lub naczynia.

W malarstwie kwiatowym znajdują się wizerunki ptaka i konia. Zwykle są narysowane wewnątrz girlandy z kwiatów. Elementy malarstwa Gorodets znalazły swoje miejsce w dużych przedmiotach: panelach, saniach, naczyniach i szkatułkach.

Obrazy mogą być bardzo różne: rozbrykani jeźdźcy, sceny z piciem herbaty, piękne ptaki, ładne dziewczyny z psami, egzotyczne lwy i lamparty. Najczęściej jest dumny koń lub wojowniczy kogut.

Sposób wykonania

Technika malowania artystycznego różni się tym, że jest wykonywana bezpośrednio na drewnianej podstawie. Baza jest zagruntowana w różnych kolorach - jasnoniebieskim, bogatym zielonym, głębokiej czerwieni.

Obiekt malowany jest pędzlem bez wstępnego szkicu. Artysta zmienia nacisk pędzla: raz szerokim pociągnięciem, raz końcówką, rysując kolejne arcydzieło.

Historia Gzhelu

Jeden ze starożytnych regionów garncarskich obejmuje około 30 wiosek. Nazywa się Gzhel. Znajduje się pod Moskwą nad rzeką Gżelką. W tych miejscach odkryto najbogatsze złoża gliny.

Pierwsze wzmianki o Gżelu pojawiają się w dokumentach pisanych z 1339 roku. Był to gmina dochodowa i była własnością książąt i królów.

W XVIII wieku Gzhel stał się rosyjskim ośrodkiem produkcji majoliki. Wiek później Gzhel zaczął produkować półfajans, malowany kobaltem i pokryty przezroczystą glazurą. Bliżej XX wieku mistrzowie Gzhel tworzyli arcydzieła z delikatnego fajansu i porcelany, dekorując je kwiatowymi i geometrycznymi wzorami.

Temat rysunku

Malowane naczynia Gzhel odzwierciedlają wydarzenia zachodzące w życiu miejskim i wiejskim, a także zjawiska przyrodnicze. Rysunki dzielą się na trzy główne grupy:

• Warzywo. Tutaj cała roślinność ma stylizowany wygląd z podstawowymi cechami. Widać jagody, źdźbła trawy, sadzonki, kwiaty i liście.
• Wzory ozdobne. Oryginalne i stylizowane rysunki ukazujące skojarzenia i autoekspresję artysty. Wykonywany jest za pomocą siatek ozdobnych - "anteny", "źdźbła trawy", "kropelki", "grzebienie" i "perełki".
• Malowanie historii. Są to kuligi, jarmarki i sezony.

Gzhel to cały kierunek stylistyczny, a nie tylko wzory. Wykorzystywana jest w produkcji ceramiki, przy projektowaniu odzieży i wystroju wnętrz.

W tak cudowny sposób arcydzieła Gzhel powstają i latają po całym świecie „jak bajkowe ptaki”. Dlatego Niebieski ptak w Gzhel to marka nowoczesnego malarstwa.

Główne cechy obrazu:

• szklenie powierzchni;
• zimne białe tło;
• ornament w odcieniach niebieskiego i niebieskiego;
• złożony wzór lub rysunek w stylu ludowym;
• tylko ręcznie.

Każdy przedmiot jest ręcznie malowany i jest dziełem sztuki. Wszystkie rysunki są niepowtarzalne.

Malarstwo artystyczne Gzhel

Technika Gzhel wymaga pewnych umiejętności. Mistrz zaczyna malować wszystko natychmiast po wypaleniu. Jeden z obrazów w stylu Gzhel nosi nazwę majoliki, jest sygnowany „pięcioma kwiatami”. Wzór został nałożony na białą emalię, która jest podstawą.

Kolory do malowania pochodziły z soli:

• zielona - sól miedzi;
• żółto – sól antymonowa;
• wiśnia – mangan;
• niebieski - kobalt.

Wkrótce ta technika została porzucona i zaczęto wykonywać wzór kobaltowo-niebieski na śnieżnobiałym podłożu. Rysowanie obrazu wymagało talentu, szpatułki, pędzla, słoika tlenku kobaltu. To właśnie kobalt daje tak wspaniały odcień błękitu, ale dopiero po wypaleniu pomalowanych naczyń, a sama farba jest czarna.

Najpierw produkt jest malowany, następnie zanurzany w glazurze i umieszczany w piecu do suszenia. Ostatnie stadium wypalanie odbywa się w temperaturze 1400 stopni. Glazura zamienia się w cienką, przepuszczającą światło warstwę pokrywającą niebieski wzór.

Dzięki atmosferze ludowej sztuki nieakademickiej, czystości i oryginalności wzorów, niebieski ptak Gzhel został uhonorowany godłem fabryki porcelany Gzhel.

W dobie technologii i zmian wydaje się, że nie ma miejsca na urocze malowane rzeczy, a podziwiać je można tylko w muzeach. Ale do dziś w państwie rosyjskim istnieją warsztaty, które zachowały stare tradycje malarstwa artystycznego i nadal cieszą oczy ludzi, którym taka sztuka nie jest obojętna.

Pojęcie „malarstwa typu Siewierodwińsk” obejmuje niezależne odmiany: Permogorsk, Rakul i właściwy Siewierodwińsk. Pierwsza nosi nazwę wsi Permogorie, niedaleko Solvychegodsk. Centrum drugiej odmiany to wieś Uljanowsk nad rzeką Rakułką. Obraz North Dvina dzieli się na trzy podgatunki: Puchug, Boret i Totem.

Malarstwo Wołchowa na drewnie

Wołchowskie tradycje malarskie są częścią ludowego rzemiosła artystycznego, które ukształtowało się wokół Ładogi. Rzemiosło Ładoga, ze względu na charakter ich wykonania i przedstawienia malarskiego, wyróżnia się skłonnością do stylu barokowego z jego jasnością i przepychem. Być może najsłynniejszym stylem tradycyjnego malarstwa na drewnie, jaki istniał w Petersburgu i osadach w rejonie jeziora Ładoga, było malarstwo Wołchowa, które powstało i rozprzestrzeniło się wzdłuż brzegów Wołchowa.

Khokhloma to starożytna wioska, zagubiona w dziczy gęstych lasów Wołgi. Wraz z jej historią narodziny światowej sławy sztuki malarstwa Khokhloma sięgają odległej przeszłości.
Pierwsza wzmianka o tej wsi znajduje się w dokumentach z XVI wieku. Nawet za Iwana Groźnego Khokhloma była znana jako obszar leśny zwany „Khokhloma Ukhozheya”. W XVII wieku szereg wsi, wraz z Khokhloma, weszło w posiadanie klasztoru Trinity-Sergius, położonego niedaleko Moskwy (obecnie miasto Zagorsk).

Malarstwo Rakula

Malarstwo Rakulskaya jest oryginalnym zjawiskiem wśród malowideł ściennych regionu północnego: jest absolutnie niepodobne do sąsiednich malowideł ściennych, które istniały w pobliżu obszaru jego dystrybucji, jest wielokolorowe, ale nie jasne, jest malownicze, ale nie przepełnione wieloma elementami, w innych malowidłach ściennych czasami tworzących cały wszechświat.

Najwcześniejsze informacje o malarstwie Rakułki pochodzą z końca pierwszej połowy XIX wieku i wskazują miejsce jego powstania i istnienia – wieś Uljanowsk, leżącą u zbiegu rzeki Rakułki z Dźwiną Północną (obecnie Krasnoborski). powiat obwodu archangielskiego). Przez całe stulecie swojej możliwej do prześledzenia historii tylko jedna rodzina zajmowała się malarstwem - Witiazewowie, którzy przekazywali tajniki swojego rzemiosła z pokolenia na pokolenie. Chociaż istnieją dowody na to, że we wsi Czereminenskaja lokalni rzemieślnicy również zajmowali się malowaniem kołowrotków w tradycyjnym stylu Rakula, ale być może byli oni również spokrewnieni z liczną rodziną Witiazewów.

Ornament malarstwa rakulskiego, a zwłaszcza ornament zdobiący najwcześniejsze przedmioty, jakie do nas dotarły, datowany na połowę XIX wieku, jest bardzo zbliżony do grafiki miniatur słynnych rękopisów Wygowa - ksiąg liturgicznych i pouczających wyprodukowane przez staroobrzędowców, którzy mieszkali w sketach i „stanach” (stąd wyznawcy „starej” wiary zwanej osadami świeckich staroobrzędowców - w rzeczywistości zwykłymi wioskami) wzdłuż rzeki Wyg (tak zwana społeczność Wygoleksinsky - centrum licznego i wpływowego staroobrzędowców „zgody pomorskiej”), przepływającego przez terytorium obecnej Republiki Karelii. W świetle tego podobieństwa wydaje się bardzo prawdopodobne, że Witiazewowie są rodziną staroobrzędowców Wygowa, w wyniku likwidacji („wymuszenia”) gminy Wygoleksyńskich przez władze, która odbyła się w kilku etapach w połowie XIX wieku (przez 20 lat od 1830 do 1850 r. Liczba mieszkańców osady staroobrzędowców Vygovsky suzemka zmniejszyła się prawie 10 razy - z 3000 do 272), zmuszonych do przeniesienia się do życia w voloście Rakulsky. Witiazewowie przywieźli ze sobą starożytną sztukę miniatury, sięgającą jeszcze przed rozszczepionymi moskiewskimi grafikami książkowymi, ale wydaje się, że nasilone prześladowania i izolacja od ośrodków staroobrzędowców zmusiły Witiazewów do malowania chłopskich przedmiotów gospodarstwa domowego zamiast przepisywania i dekorowania książki. Dodatkowym potwierdzeniem tej wersji jest zbieżność daty masowej eksmisji staroobrzędowców z Vyga i daty przybliżonego pochodzenia statku Rakul.

Dekoracyjność obrazu, jego książkowe wzornictwo, brak wyraźnej fabuły można również wytłumaczyć pobożnością staroobrzędowców - codzienne i baśniowe wątki praktycznie nie były przedstawiane w rękopisach, z wyjątkiem kaustycznych satyr na przedstawicieli władz, a przedstawianie wątków świętych pism i legend (w tym hagiograficznych) na przedmiotach gospodarstwa domowego było bluźniercze.

W muralach Rakułki dominuje z reguły czerń i złoto-ochra, którym towarzyszy soczysta zieleń i brązowo-czerwień. Kolorystyka jest bardzo surowa i harmonijna, plastyczność elementów jest lakoniczna. Elementy ornamentu rakula są duże, ich kształt ogranicza się do wyraźnego czarnego konturu. Drobne elementy ozdobne - winiety i żyłki wykonane są w kolorze czarnym lub białym: żyłki liści są przeważnie rysowane na biało, biegnąc na bogatym, kolorowym tle.

Wzór swobodnie poruszający się na produktach rakula składa się głównie z fantastycznych roślin lian z dużymi eleganckimi liśćmi przymocowanymi do wijącej się łodygi.

Charakterystyczny ornament roślinny z masywnymi, wielobarwnymi liśćmi w kształcie łzy, oryginalność i względna skąpość palety barw, oszczędne wykorzystanie małych niezależnych elementów ornamentu wyraźnie odróżniają malarstwo Rakula od przylegających do niego geograficznie Boretskaya, Permogorskaya i Puchuzhskaya .

Fantastyczne wielobarwne rośliny, które zdobią malowane produkty rakul, noszą, być może nieświadomie dla mistrza, który je zdobił, symbolikę tkwiącą w wierzeniach mieszkańców rosyjskiej północy. Fantastyczne, nigdy nie widziane rośliny, kwitnące bukiety, opalizujące wielobarwne barwy świata roślin wyrażały ideę płodności, wiecznego i niewyczerpanego bogactwa świata i jakby odwołując się do matki natury, wyrażały pragnienie szczęścia, pomyślności w dom, bogate zbiory.
Malarstwo Rakula charakteryzuje również bardzo charakterystyczne i rozpoznawalne wizerunki ptaków - przedstawione schematycznie, z zadartym ogonem zarysowanym cienkim szrafem, ciężkim ciałem i elegancką głową zwieńczoną kępką.

Typowa dla obrazów Siewierodwińska była przewaga malowanych kołowrotków wśród wyrobów handlu. Rakulka nie była wyjątkiem, opracowała swój specjalny kanon kompozycyjny do malowania kołowrotków, który był wyraźnie śledzony przez prawie całe stulecie - do lat 30. XX wieku: przednia część kołowrotka została podzielona na trzy prawie równe części - dolna była ozdobiony pionową dużą pionowo umieszczoną gałęzią z symetrycznie rozmieszczonymi gałęziami, centralną zajmował wizerunek ptaka otoczonego elegancką ramą, a górną ozdobiono dużą lianą w kształcie litery S z wielobarwnymi liśćmi.

Aż do zaniku rzemiosła, co nastąpiło w latach 30. XX wieku, rzemieślnicy z dynastii Witiazewów twardo trzymali się wypracowanego kanonu kompozycyjnego, ale stosowanie przemysłowych farb anilinowych, dodających blasku kolorowi produktów, pozbawiło ich harmonia tworzona przez stłumione skromne tony.

Odrodzenie malarstwa Rakula jako rzemiosła artystycznego wiąże się z jego odkryciem dla nauki w 1959 roku przez ekspedycję Zagorskiego Muzeum-Rezerwatu. A w latach 60. XX wieku, w celu zachowania tradycyjnego ludowego rzemiosła artystycznego regionu Archangielska, zorganizowano przedsiębiorstwo Belomorskiye Uzory, którego mistrzowie, zachowując wielowiekowe tradycje i kanony malarstwa, nadal wytwarzają wyroby w tradycyjnym Rakułku. technika.

Malowanie gorodetów

Malarstwo gorodeckie pochodzi z XIX wieku. W tym czasie stało się rosyjskim rzemiosłem sztuki ludowej, które powstało w prowincji Niżny Nowogród w pobliżu miasta Gorodets.
Początki malarstwa Gorodets można zobaczyć w rzeźbionych kołowrotkach. W Gorodetach wyróżniały się spodniami (deska, na której siedzi błystka) i grzebieniem kołowrotka. Dno zostało ozdobione przez miejscowych rzemieślników specjalną techniką intarsji. We wnęki wstawiono figurki wyrzeźbione z drewna innego gatunku (np. dąb bagienny). Takie elementy różniły się reliefem na powierzchni, a tylko dwa odcienie drewna w rękach rzemieślników z Gorodets stworzyły prawdziwe dzieła sztuki oparte na zwykłej desce. Później rzemieślnicy zaczęli stosować odcień (jasny niebieski, zielony, czerwony i żółty), dzięki czemu spód był jeszcze bardziej kolorowy. Zwiększone zapotrzebowanie na produkcję końcówek przędzalniczych skłoniło rzemieślników do ponownego rozważenia techniki zdobienia, upraszczając ją. W drugiej połowie XIX wieku inkrustacja jako skomplikowana i czasochłonna technika została zastąpiona zwykłą rzeźbą z malarstwem, a już pod koniec stulecia dominującą ozdobą Dońca stały się elementy malownicze.
Technologia

Technologia malowania Gorodets jest pod wieloma względami prostsza niż tworzenie Khokhloma, zwłaszcza pod względem przygotowania podłoża. Malowanie gorodetów odbywa się bezpośrednio na drewnianej podstawie, którą w razie potrzeby można pokryć czerwoną, czarną lub żółtą farbą podkładową. Wszystkie główne kolory użyte w obrazie powinny mieć nasycone i rozcieńczone odcienie. Na powierzchni roboczej cienkie linie ołówkiem zarysowują kompozycję przyszłego wzoru. Głównym zadaniem jest nakreślenie wielkości i położenia głównych elementów, czyli węzłów, na przykład zwierząt i kwiatów. Doświadczeni rzemieślnicy pomijają ten etap, natychmiast rysując farbami. Sęki z reguły są rysowane jaśniejszym odcieniem farby (malarstwa). Cienkie pociągnięcia ciemnego odcienia (cienia) są nakładane na jasne plamy, przedstawiające szczegóły: płatki kwiatów, fałdy ubrań, detale wnętrza itp. Na tym samym etapie liście i pąki są przedstawione między dużymi elementami. Ostatnim etapem malowania jest nałożenie czarnej (płynnej) i białej (revival) farby za pomocą kresek i kropek. Czynności te wykonywane są najcieńszym pędzlem i nadają pracy skończony wygląd. Po wyschnięciu farby produkt pokrywany jest bezbarwnym lakierem.
Malarstwo Mezen

Malarstwo Mezen

Malarstwo Mezen na drewnie lub malarstwo palashchelskaya to rodzaj malowania przyborów domowych - kołowrotków, chochli, skrzynek, braci, który rozwinął się na początku XIX wieku w dolnym biegu rzeki Mezen. Najstarszy datowany kołowrotek z obrazem Mezen pochodzi z 1815 r., chociaż motywy malarskie tego malarstwa znajdują się w księgach rękopiśmiennych z XVIII wieku powstałych w regionie Mezen. Pod względem stylu malarstwo Mezen można przypisać najbardziej archaicznym typom malarstwa, które przetrwały do ​​XX wieku. Przedmioty są gęsto nakrapiane wzorem ułamkowym - gwiazdy, krzyżyki, kreski, wykonane w dwóch kolorach: czarnym - sadza i czerwonym - "farba ziemia", ochra. Główne motywy ornamentu geometrycznego – tarcze słoneczne, romby, krzyże – przypominają podobne elementy rzeźby trójściennej.

Malarstwo Boretskaya

Wśród legend i legend, które istnieją na ziemi Dźwiny, znajduje się legenda o pochodzeniu obrazu zapaśniczego.
Car Moskiewski Iwan III, który rządził ponad 500 lat temu, podporządkował ziemie rosyjskie. Hołd oddał mu nawet Pskow i wolny Nowogród. Jednak grupa nowogrodzkich bojarów, kierowana przez władczą i silną kobietę, bojarkę Marfę Boretską, żonę byłego burmistrza Nowogrodu, nie mogła się z tym pogodzić. Iwan III wysłał tam armię, podbił Nowogród, a Martha Boretskaya wraz z bojarami uciekła do Północnej Dźwiny. Tutaj osiadła na wysokim brzegu rzeki, otaczając to miejsce wysokim wałem. Stąd nazwa Gorodok (teren ogrodzony) i Borok – od nazwisk właścicieli. Posiadłości Boreckich rozciągały się na setki mil. Teraz Borok to tylko marina 7 km od Gorodoka i kilku pobliskich wsi.
Oczywiście wśród uciekinierów znaleźli się także malarze ikon oraz artyści malarstwa miniaturowego i rękopisów. Przekazując swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie, przez kilka stuleci zachowali najlepsze tradycje sztuki ludowej starożytnego Nowogrodu.
Początkowo najwyraźniej istniał jeden ośrodek malarstwa - Borok w środkowym biegu Północnej Dźwiny. Następnie rozgałęziły się dwa kolejne ośrodki: z malarstwem Puczug (centrum we wsi Puczuga, 25 km w górę rzeki od mola Borok) i malarstwem Toyem (jeszcze dalej w górę rzeki, wieś Żerliginskaja).
Ozdobione tymi malowidłami kołowrotki różnią się od siebie, ale pod względem kolorystyki i kompozycji tworzą jeden rodzaj malarstwa Siewierodwińsk o białym tle, który różni się od innych rodzajów malowideł ściennych Północnej Dźwiny - Permogorska i Rakula.

Umiejętność wirowania była uważana za godność wieśniaczki, ponieważ wyciąganie nici o pożądanej grubości wymagało wielkich umiejętności, a „słowacka przędzarka” była napiętnowana. Chodzili na spotkania z kołowrotkami, a ci, którzy mają kołowrotek, są piękniejsi i mają więcej honoru. Stajenni często dawali narzeczonym kołowrotki, czasem podpisane od kogoś do kogo.
Szczególnie kobieta zatroszczyła się o taki kołowrotek i przekazała go córce na pamiątkę. Byli dumni z kolorowego kołowrotka, który w domu wisiał w najbardziej widocznym miejscu.
Kołowrotek zachował tradycyjny dla tego obszaru kształt i ornament. Kołowrotki Boretsky'ego są „korzeniem”, to znaczy wykonane z jednego kawałka drewna. Ostrze pochodzi z pnia, a spód z korzenia. Są dużych rozmiarów, mają szerokie ostrze, wyraźny, piękny rząd dużych miast (głowy, główki, fasola), dwa okrągłe kolczyki, elegancką kręconą nogę. Jego malarstwo mieni się bielą tła, na nim jasno wypala się czerwony kolor przewodni roślinnego wzoru. Złoty listek, którym ozdobiono kołowrotki tego centrum, nadaje im świąteczny i elegancki wygląd.
Jeśli prześledzimy rozwój malarstwa Borecka, porównajmy kołowrotki z XVII-XVIII wieku. z kołowrotkami z późniejszego okresu, aż do początku XX wieku, widać, że różnią się one znacznie kolorem i fabułą.
Artyści XVII-XVIII wieku, którzy odziedziczyli tradycje nowogrodzkich malarzy ikon, wprowadzili do kompozycji obrazu kształt ikonostasu, podzielili ostrze kołowrotka na poziomy - klepki, wypełnili je kwadratami jak ikony , a poniżej namalowali drzwi podobne do królewskich drzwi ołtarza. Z malarstwa ikonowego zachowały się jednak tylko znaki zewnętrzne. Treść obrazu jest oryginalna. Z prostokątnych ram zamiast świętych patrzą na nas wesołe ptaki, promienne słońce i spiczaste gwiazdy.
Centralną częścią lapaski są drzwi wejściowe z zaokrąglonym szczytem, ​​nawiązujące do bogactwa królewskich bram ikonostasu. Poniżej znajduje się ganek frontowy na wysokim filarze – charakterystyczny detal drewnianej architektury Północy. To jest dom panny młodej, przedstawiony jako bajeczna wieża królewska. Dalej jest scena zalotów (choć istnieje inna interpretacja fabuły), po wysokich schodach wchodzi starzec z koszykiem w rękach, a młody jeździec zdejmuje kapelusz na ganku. Oboje są ubrani w starożytne rosyjskie ubrania z ramionami i paskami ozdobionymi kamieniami,
Wiodącymi kolorami malarstwa zapaśniczego na wczesnych kołowrotkach, które przedstawiały scenę zalotów, był jasny cynober, głęboka zieleń szmaragdu z białą animacją i ochra, która jest postrzegana jako złoto.
Na odwrocie kołowrotka widnieje scena wielkiego odejścia pary młodej, księcia i księżniczki. Panna młoda i pan młody w czerwonych szatach ze złotą lamówką wokół kołnierza, wzdłuż rękawów, rąbka oraz z trójpłatkową złotą koroną na głowach.
Szmaragdowy koń mieni się cynobrową uprzężą, wokół z czerwonej cynobrowej ziemi unosił królewsko złote głowy - piękne tulipany. Ciemne, szmaragdowe liście z falbankami kołyszą się na czerwonych łodygach. Kwiaty przypominające tulipany były charakterystyczne dla malarstwa ikonowego z XVII-XVIII wieku. Kwiatowy wzór, duży, soczysty kolor, pełen dynamiki.

Z biegiem czasu ornament malarski Borecka traci duży kształt, traci plastyczność wzoru, traci soczysty kolor. Pod koniec XIX wieku. pojawia się ułamkowy wzór, pozbawiony ogólnego rytmicznego ruchu, jasny, nie zawsze harmonijny wielokolorowy z dodatkiem płatków złota i zupełną sztywnością kompozycji.
Na przełomie XIX i XX wieku. Malowidło służyło głównie do ozdabiania kołowrotków. Chociaż czas zmienił wystrój i kompozycję obrazu, wciąż można łatwo prześledzić starożytne kompozycje i starożytne schematy. Sanie z jeźdźcem ozdobione są ułamkowym kwiatowym wzorem - tę część wiosła zaczęto nazywać „stojącą z koniem”.
Czerwone, zielone, szmaragdowe, złote, ochrowe konie zaprzęgane do powozów, malowane wozy, wozy kryte, sanie, uczestniczyły w scenach jeździeckich, w wycieczkach weselnych i paradnych. Powyżej, zamiast ganku i drzwi wieży, pojawił się bujnie kwitnący bajeczny krzew otoczony jasnymi bajecznymi ptakami. Według starożytnej legendy „początkiem wszystkich początków” jest drzewo stojące pośrodku akwenów wodnych. Osiedliły się na nim dwa ptaki, zbudowały gniazdo na jego gałęziach i stąd zaczęło się pierwsze życie na ziemi. Ta fabuła stała się jednym z ulubionych w rosyjskiej sztuce ludowej. Wiązało się to z ideą potęgi sił natury i zależności od niej dobrobytu i szczęścia człowieka.
Ptaki były przedstawiane na kołowrotkach. Oni też się zmienili. Oni też się zmienili. W XVII-XVIII wieku. to są kurczaki, proste ptaki, to znaczy mistrz malował je tak, jak je widział. Ptaki wykonywały różne ruchy: dziobały, z podniesionymi skrzydłami, z odwróconymi głowami, siedziały spokojnie, z rozpostartymi skrzydłami. Są w kolorze lokalnym, czerwonym i szmaragdowym. W przyszłości ptaki stały się bardziej eleganckie, jasne, różnobarwne, wydłużyły się ogony, pojawiło się wiele dodatkowych ozdób, kropek, kropelek, kresek. Wyglądały już trochę jak te, które widzimy na kołowrotkach z XVII-XVIII wieku. Te ptaki naprawdę stały się rajskimi ptakami o słodkim głosie, które siedziały na drzewie życia. Środkowe stawanie się nazywało się „stawaniem się z drzewem”

Drewniane naczynia dekoracyjne weszły do ​​użytku później niż naczynia ceramiczne. Filiżanki, miski, miarki o dziwacznych łukach uchwytów imitujących ptasie szyje, malowane łyżki, skrzynki do przechowywania jagód, skrzynie, skrzynki i inne drewniane przedmioty gospodarstwa domowego w rosyjskiej chacie miały ozdoby, rysunki lub rzeźby. Dla każdego powiatu, województwa istnieją charakterystyczne cechy rysunków, które odróżniają je od wielu innych. Malarstwo na drewnie można schematycznie podzielić na dwie główne kategorie – ornamenty roślinne oraz popularne grafiki (pejzaże i sceny z życia ludowego).

Malowanie drewna można schematycznie podzielić na dwie główne kategorie – ornamenty roślinne oraz popularne grafiki.

Bez zbędnych ceregieli mistrzowie nadali obrazowi nazwę zgodnie z nazwą miasta, w pobliżu którego narodził się ten styl.. Głównymi tonami malarstwa na rosyjskich wsiach były czerń, czerwień, żółć. Są charakterystyczne dla technik zdobniczych, które pojawiły się wcześniej niż te, które wykorzystują bardziej podstawowe kolory i ich odcienie.

Cechy obrazu Mezen

Obraz Mezen charakteryzuje się wizerunkami jeleni i koni.. Są starannie rysowane, a wizerunek osoby nanoszony jest czysto schematycznie. Każdy znak wzoru ma na tym obrazie swoją własną interpretację. Aby poprawnie sporządzić rysunek produktu, musisz wiedzieć, co oznacza ten lub inny obraz. Nie wszystkie z nich można organicznie połączyć na jednym rysunku.

Obraz Mezen charakteryzuje się wizerunkami jeleni i koni.

1. Ruch słońca po niebie uosabiają czerwone konie.
2. Niebiańskie kobiety rodzące, dające życie wszystkiemu na ziemi, zostały przedstawione w postaci jelenia.
3. Łabędzie, kaczki, gęsi symbolizują dusze zmarłych krewnych, chroniąc i ostrzegając członków rodziny przed brudem, pomagając w trudnych czasach.
4. Choinki są symbolem męskiej mocy.
5. Drzewo życia zostało przedstawione z korzeniami, spiralami wchodzącymi w zaświaty. Licząc romby na pniu, można ocenić, ile rodzajów łączy rodzina. Wierzchołek drzewa genealogicznego zwieńczony jest znakiem niebiańskiego świata.

Ten obraz powstał przed chrztem Rosji, co wyraźnie widać w pogańskiej symbolice. W lokalnych muzeach historycznych można zobaczyć kądziele i szkice z wielowarstwowym malowidłem Mezen.

Galeria: malowanie na drewnie (25 zdjęć)

Malarstwo Severodvinsk: jego cechy

Malarstwo Severodvinsk można nazwać międzynarodowym. Z czasem z jej północnymi korzeniami zmieszały się motywy przywiezione przez staroobrzędowców, którzy migrowali na północ, szukających lepszego życia Polaków, kupców i chłopów z innych regionów.

Malarstwo Severodvinsk można nazwać międzynarodowym

Malarstwo Severodvinsk można rozpoznać, pomimo użycia na rysunku kolorów czerwonego, żółtego i czarnego, po następujących charakterystycznych cechach:

• Drzewo życia, przypominające dziwny kwiat, na którego półkuli wieńczącej siedzą dwa gołębie. W dniu ślubu nowożeńcom wręczono prezent z drewna z takim motywem. To drzewo miało o jeden liść więcej niż rodzice nowo powstałego małżonka.
• Rysunki mogą zawierać mityczne stworzenia - ptak Sirin, syreny, gryfy.
• Spośród zwierząt Siewierodwińsk przedstawiał lwa i niedźwiedzia.
• Rysunek podzielony jest na trzy części. Zgodnie z wyobrażeniami o budowie świata podzielono go na obrazy świata podziemnego, ziemskiego i sfer niebieskich.

Pod wieloma względami obraz Severodvinsk jest podobny do Permogorsk, Rakul, Boretskaya.

Malowanie bez podtekstów religijnych

Matrioszki, drewniane naczynia są często zdobione w stylu malarstwa Polkhovo-Majdan. Polega na naniesieniu na drewno nieskomplikowanego ornamentu roślinnego. W tym obrazie nie ma określonych reguł w łączeniu kolorów. Jedyne, co jest wymagane, to uzyskanie jasnej, dającej radość zabawki.

Nadaje się do ozdabiania drewnianych obszernych półfabrykatów i płaskich powierzchni.

Obraz Petrikhovskaya składa się z liści, płatków, jagód. Ten rodzaj ludowego rzemiosła cieszy się jasnością kolorów.

Elementy malarstwa Polchowa są podobne w technice aplikacji do malarstwa Khokhloma. Tylko że w tym rzemiośle artystycznym nie ma ścisłych zasad w doborze kolorów i elementów rysunkowych.

Malarstwo Khokhloma przestrzega ogólnie przyjętych zasad rosyjskiego rzemiosła ludowego - używane są kolory żółty, czarny, czerwony. Jednym z nich jest tło dla rysunku, które nakładane jest etapami z pozostałymi dwoma kolorami.

Malarstwo Khokhloma to klasyka. Wykorzystuje tylko trzy kolory, z których jeden jest tłem obrazu. Może to być dowolny z kolorów używanych w tradycyjnym rosyjskim malarstwie. Wszystkie są ze sobą w kontraście, co pozwala malować i tworzyć efekt 3D przy najmniejszym wysiłku. Na tym obrazie nie ma półtonów, tylko jasne, nasycone kolory.

Stosując tę ​​samą technikę pociągania, z różnym stopniem dociskania pędzla do malowanej powierzchni, można odtworzyć obraz gzhel. Ten rodzaj malarstwa różni się od Khokhloma i Petrikovskaya tym, że na białą powierzchnię nakładany jest niebieski wzór. Być może dla początkującego wybór jednego z tych trzech murali, aby rozpocząć swoją twórczą drogę, jest najprostszy.

Jak zrobić kropkowe malowanie pudełka (wideo)

Farby do klasycznego malowania na drewnie

Klasycznie malowane deski, szkatułki, artykuły gospodarstwa domowego odpowiednio dobrane i obrobione nie zmieniają koloru pod wpływem światła słonecznego lub wody. Od czasów starożytnych mistrzowie używali w swoich pracach farb temperowych. Najstarszą receptę na robienie farby stosują również współcześni profesjonalni mistrzowie malarstwa na drewnie. Osobliwością kompozycji jest to, że barwnik rozciera się na żółtku jaja. Ten składnik jest podstawą.

Od czasów starożytnych mistrzowie używali w swoich pracach farb temperowych.

Od pewnego czasu w produkcji próbowano zastąpić temperę prostszymi i tańszymi farbami olejnymi. To doświadczenie zostało bardzo szybko porzucone ze względu na takie cechy, jak zmiana koloru pod wpływem słońca. Radykalna czerń, która powinna być odcieniem węgla drzewnego, zmieniła się pod wpływem światła ultrafioletowego. Nabył zielony, a czasem żółty ton. Jasne kolory mają tendencję do ciemnienia. Drugą wadą barwników olejowych jest ich zdolność do pękania, łuszczenia się. Tempera powróciła ponownie do ludowego rzemiosła.

Rodzaje farb temperowych

Charakterystyka tempery jakościowej:

• Podczas pracy łatwo rozpuszcza się w wodzie;
• Jest jednorodna;
• Daje 100% krycia (wzór nie jest przezroczysty);
• Po wyschnięciu nie można go zmyć wodą;
• Zamarznięta warstwa nie pęka, w przeciwieństwie do farb olejnych i akwarelowych;
• Podczas przechowywania w zamkniętym pojemniku nie pojawi się na nim pleśń, nie będzie gęstnieć ani rozwarstwiać.

Skład tempery jest bardzo prosty, tylko dwa składniki - emulsja (baza) i barwnik. Proces wytwarzania farby jest dość pracochłonny. Tempera jest wykonywana ręcznie, podstawa jest układana na powierzchni granitowej lub marmurowej, gdzie łączy się ją z pigmentem. Suchy kolor wciera się w klej lub bazę jajka za pomocą dzwonka - kryształowego tłuczka. Proces trwa do momentu, gdy barwnik stanie się jednolity pod względem koloru i tekstury.

Uwaga! Zamiast kryształowego dzwonka możesz użyć podobnego przedmiotu wykonanego z twardego drewna, kamienia. Interakcja z metalami jest przeciwwskazana w przypadku składników farb.

Gotowe farby temperowe

Nazwa współczesnej tempery jest zgodna z podstawą, na której jest wykonana:

• Jajko - w podstawie, wykonanej w przemysłowych warunkach farby, zastosowano sztuczną emulsję. Składa się z jajka, oleju roślinnego, lakieru na bazie oleju lub terpentyny.
• Farba kazeinowa produkowana jest na bazie złożonego białka ekstrahowanego głównie z mleka zwierzęcego. Skład emulsji kazeinowej obejmuje olej i żywice. Jakość tej tempery jest wyższa niż tempery jajowej.
• Guma arabska pochodzi od jednego rodzaju bazy klejącej używanej do produkcji farb o bogatej kolorystyce. Ten składnik można zastąpić klejem z żywic innych drzew owocowych. W naszych szerokościach geograficznych częściej stosuje się klej wiśniowy.

Odniesienie: Dekstryna, polisacharyd wytwarzany ze skrobi ziemniaczanej, jest etapem pośrednim między skrobią a glukozą. Guma arabska oznacza gumę arabską, która jest żywicą akacji utwardzoną na powietrzu. Jest pozyskiwany z roślin południowych szerokości geograficznych.

Nazwa współczesnej tempery jest zgodna z podstawą, na której jest wykonana

Sztuczne emulsje farb dla początkujących dzielą się na trzy główne kategorie: PVA, woskowo-olejowy, akrylowy.

Jakie farby akrylowe lepiej wybrać do malowania na drewnie

Farbę akrylową lepiej nałożyć na mokre drewno techniką Impasto, jeśli trzeba pomalować duży element obrazu. Ale w przypadku nierozcieńczonego akrylu trudno jest jednym dotknięciem wykonać loki i wydłużone liście, jak wymaga tego rzemiosło ludowe. Efekt lekkości i zwiewności motywu florystycznego zależy od stopnia przyczepności pędzla na różnych partiach malowanej powierzchni.

Matowa emulsja służy jako podstawa farby, pigmenty nadają jej kolor. Do malowania rysunków w stylu ludowym potrzebny będzie akryl o dużej gęstości krycia. Po wyschnięciu nie powinien stać się przezroczysty. Wynika z tego, że specjalistyczna farba do rysowania obrazu na szkle nie jest odpowiednia. A także farby do ciasta francuskiego i malowania na bazie płótna. Jedynym słusznym wyborem jest zakup farby do malowania na drewnie.

Jak długo obraz schnie

Najdłuższy czas schnięcia farby, która jest wykorzystywana w pracy do stworzenia głównego tła. Wynika to z faktu, że musi tworzyć idealnie równomierny ton, to znaczy nakłada się na niego grubszą warstwę niż sam rysunek. Wyschnięcie bazy akrylowej nałożonej na powierzchnię zwilżoną wodą zajmie nie więcej niż godzinę. Mniej więcej taka sama ilość przechodzi podczas nakładania tempery.

Drobne elementy nałożone cienką warstwą wyschną niemal natychmiast, dokładniejsze pociągnięcia w ciągu 15-20 minut. Ale nie dotyczy to farby, którą trzeba było rozcieńczyć wodą. Osobliwością akrylu jest to, że woda znacznie przyspiesza wysychanie farby.

Konieczna jest bardzo szybka praca z akrylem w kontakcie z wodą. Im więcej wody zużyje się do rozcieńczenia farby, tym szybciej wyschnie.

Jak pomalować drewniany blank na deskę do krojenia: klasa mistrzowska dla początkujących

Przygotowanie deski polega na nasączeniu jej skrobią ziemniaczaną. Ukryje wszystkie drobne wady deski i da cienką warstwę podkładu. Proces ten można uprościć, pokrywając deskę schnącym olejem. Wybierając jako ozdobę motywy północne, w których ton nie jest używany, jako podkład można zastosować jasną plamę.

Możesz pomalować drewniany blank gwaszem. Ta technika jest również dostępna dla dzieci.

1. Biorąc kartkę papieru do rysowania, zaznaczając na niej obszar odpowiadający rozmiarem temu, który ma być pokryty wzorem na drewnie, musisz wyznaczyć obszary największych elementów wystroju. Nakreślenie ich lokalizacji, jak pokazano na rysunku.
2. W drugim etapie obraz jest szczegółowy - rysowane są kontury.
3. Za pomocą papieru transferowego obraz przenoszony jest na przygotowaną, odtłuszczoną płytę nasączoną skrobią ziemniaczaną.
4. Aby różne kolory się nie mieszały, możesz wziąć maszynę do wypalania, zrobić małe wcięcia wzdłuż konturów. Taki kontur zapobiegnie mieszaniu się farby. Podczas pracy z dekoracją farby akrylowe istnieje możliwość zastąpienia procesu wypalania poprzez nanoszenie konturu i cienkich elementów bezpośrednio przez cienki rozdzielacz tuby.
5. Po wyschnięciu konturu wznoszącego się nad powierzchnię należy go wypełnić kolorem.
6. Ostatnim etapem prac będzie lakierowanie pomalowanej deski. Stosuje się w 2-3 etapach. Każda kolejna warstwa leży na dokładnie wysuszonej poprzedniej.

Uwaga! Druga warstwa lakieru schnie dwa razy dłużej niż pierwsza, ponieważ rozpuści wcześniej nałożoną powłokę. Efektem jest monolityczna, bardzo trwała warstwa lakieru.

Proste wzory dla początkujących

Malowanie drewna nie toleruje drobnych detali i krętych linii. Nierówności krawędzi elementów odtwarzane są dzięki pociągnięciom półsuchego pędzla na zwilżonej powierzchni.

Najprostsze, ale dość spektakularne, można nazwać rysunkami gron jarzębiny, kwiatów o nieskomplikowanych kształtach liści.

Malowanie drewna nie toleruje drobnych detali i krętych linii

Najprostsze płatki do rysowania nabiorą objętości, gdy zostaną przyciemnione pośrodku. Aby to zrobić, wystarczy wykonać kilka pociągnięć-promieni. Jagody są na ogół łatwe do narysowania. Trójwymiarowe skupiska jarzębiny są podane przez czarne kropki jajnika, arbitralnie umieszczone na obrazie jagód. Ta technika, tworząc środek kwiatu, sprawia, że ​​wzór jest „wypukły”.

Małe kwiaty są równie łatwe do narysowania, są schematycznie złożone z mniej więcej równych punktów. Małe elementy znajdują się na dużych, co daje objętość obrazu. Symetria ich ułożenia nie jest istotna. Większą uwagę należy zwrócić na odległość między równoległymi długimi liśćmi.